Freschi della visione di Michael al cinema, non vi ammorberemo con una scontata recensione. Scontata perché il biopic, soprattutto se pensato per un pubblico globale, ha schemi quasi fissi e si rivolge ai fan: per loro, anzi per noi, Michael Jackson funziona come protagonista, magari anche come vittima, ma certo non come cattivo. Tutto è reso possibile anche dal fatto che la storia si fermi a Bad (dove sei, Kim Wilde?) quindi al Michael trentenne che aveva appena rotto con la famiglia e in particolare con il padre Joe, delle cui cinghiate (del resto (che nel film, autorizzato da parte della famiglia, ovviamente non si vede) era il principale destinario. In sintesi: un onestissimo e spettacolare film di genere, che a noi è piaciuto molto soprattutto nelle parti di ballo. Bravissimo Jaafar Jackson, protagonista e in quanto figlio di Jermaine anche nipote di Michael.

Nel film un discreto spazio viene dato al Victory Tour del 1984, che segnò la fine della presenza di Michael nei Jackson 5 e l’inizio dei suoi guai, visto che l’incidente durante la registrazione dello spot per la Pepsi Cola gli procurò ustioni che fu costretto a curare con farmaci da cui poi sarebbe diventato dipendente. Il Victory Tour segnò anche uno dei rari rapporti di Michael con il mondo dello sport, visto che per un’idea del padre il promoter di quei concerti fu Don King, che di musica sapeva zero ma che grazie alla straordinaria boxe dell’epoca aveva contatti commerciali ai massimi livelli, fatto che gli permise di dare anticipi monstre ai fratelli e soprattutto al riluttante Michael, che non si fidava di lui.

La stella dei Jackson, che per l’occasione erano sei (si era aggiunto anche Randy, più piccolo di Michael), capì subito che a King del tour importava poco, lui voleva soltanto mettere le mani sul marchio Michael Jackson. Famosa è rimasta la lettera aperta a King pubblicata da Rolling Stone, in cui Michael intimava al boss della boxe, grande rivale di Bob Arum, di non utilizzare il suo nome in alcun contesto e in alcuna trattativa. La reazione di King, che nel film non si vede, fu alla King; più volte in pubblico omaggiò Michael del termine ‘nigger’, in quell’era pre-woke già proibito, volendo criticare la sua ambizione di essere una popstar globale, quando invece doveva accettare il suo destino di artista nero. Che come tale, sottinteso, doveva avere un manager nero. La storia avrebbe dato torto a King, visto che Michael Jackson era ed è rimasto anche da morto la popstar del mondo.

Detto questo, il Victory Tour, 55 concerti in 21 città di USA e Canada, fu un successo epocale: 2,5 milioni di spettatori e 75 milioni di dollari di incasso, attualizzati circa 220 di oggi. Di fatto fu il tour di Michael, visto che in scaletta c’erano principalmente canzoni di Off the wall e di Thriller, con i fratelli supporter, ma non soddisfò i cultori dello scudetto dei bilanci: i profitti non coprirono nemmeno gli anticipi dei Jackson (Michael donò il suo in beneficenza, 5 milioni dell’epoca), King non riuscì a gestire Michael, e il suo socio Chuck Sullivan, che era il vero finanziatore dell’impresa, entrò in una spirale di debiti che qualche anno più tardi insieme ad altri problemi lo avrebbe costretto a vendere i New England Patriots e il Foxboro Stadium. Forse Sullivan, morto qualche settimana fa a 83 anni, era l’unica persona che malediceva il Vicitory Tour più di Michael Jackson.

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Sì, lo sappiamo che il Maestro non è un film sul tennis anche se è per il tennis che lo abbiamo guardato, con il doping dell’identificazione con il ragazzino Felice (lui 13 anni nel 1989, noi nel 1980), tennista senza troppo talento che da pallettaro batte nell’orticello di casa qualche coetaneo meno dedicato ma appena mette il naso fuori viene bastonato. Nel film di Andrea Di Stefano, appena visto su Sky, il tennis è un modo come un altro per raccontare le aspettative di una famiglia medio-piccolo borghese nei confronti dei figli, all’epoca di solito i maschi.

Poi la trama è quello che è, con Favino ex discreto giocatore (un ottavo di finale al Foro Italico come miglior risultato) con un grande avvenire dietro le spalle e un presente da maestro e playboy imbolsito. Ingaggiato dal padre di Felice, a prezzo di mille sacrifici, per accompagnare il figlio nell’attività estiva, Raul Gatti-Favino cerca di cambiare il modo di stare in campo dell’allievo, a costo di fargli perdere qualche partita senza importanza, ma entrambi non ci credono più di tanto e Felice passa da momenti in cui gioca aggressivo ad altri in cui fa il tergicristallo. Ma già a livello regionale questo non basta più e si scontra contro la realtà dello sport, che Velasco ha di recente ben sintetizzato: “Non conta fare le cose bene, devi farle meglio degli altri”.

La storia sta insieme con lo scotch, anzi con la Pritt (impossibile inventarsi i risultati, anche in quell’era pre-internet), con il cameo di una sempre meravigliosa Edwige Fenech, ma ha il pregio di interessare noi tossici del ‘come va a finire’ e di finire in modo emozionante e aperto. Anche al netto del tennis evoca cattivi ricordi, da certi adulti che ti parlano di sesso cercando una sorta di complicità maschile ai fallimenti di cui si incolpa sempre qualcun altro, dalle estati buttate via alla paura di deludere. Per una volta gli anni Ottanta non c’entrano, anzi non capiamo perché il film non sia stato ambientato ai giorni nostri.

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Fra i tanti film ispirati a e da un videogioco Super Mario Galaxy è senza dubbio il più brutto mai visto. E avendolo seguito con attenzione lungo interminabili 100 minuti non capiamo (anche se in realtà lo capiamo, come sarà più chiaro qualche riga sotto) il successo mondiale dell’ennesimo prodotto basato sul personaggio che ha fatto la fortuna della Nintendo insieme a Pikachu e ovviamente a Donkey Kong, il gioco da cui nel 1981 partì tutto, Mario compreso, e che noi avevamo in versione portatile e richiudibile, in quel memorabile arancione. Però, con tutto il rispetto per i quasi 650 milioni di dollari incassati nel mondo in meno di due settimane, dello scudetto dei bilanci a noi spettatori importa zero.

Il problema non è che Super Mario Galaxy sia un film per bambini, perché a noi i cartoni animati piacciono molto e quelli di oggi anche di più, ma che non abbia trama, emozioni, anima, guizzi (tranne forse sui titoli di coda, quando viene evocato Arancia Meccanica). Dopo il primo film del 2023, che già aveva simili difetti, in questo Nintendo e Illumination hanno spinto ancora di più sul ritmo, andando per accumulo: i pianeti con gravità variabile, i viaggi fra le galassie, i cambi di ambientazione velocissimi per catturare un'attenzione ormai a livello dei pesci rossi, i continui richiami al videogioco del 2007 che forse sono l’unica cosa sopportabile, al punto di farci invocare una diretta Twitch con il commento di un qualunque nerd con felpa.

Impossibile spoilerare la storia, che di fatto non esiste: in pratica Bowser junior che vuole liberare suo padre, buono o cattivo a seconda dei momenti, con il solito friendzonato Mario che aiuta Peach. Speriamo che la sceneggiatura sia stata scritta dall’AI, almeno ci sarebbe una spiegazione. Poi il perché del successo è chiaro, bastava guardare la gente in sala: genitori disperati di bambini sui 6-7 anni, che pur di non imbarcarsi nell’ennesimo laboratorio-fattoria didattica-ludoteca-attività “molto stimolante” rinunciando ai propri veri desideri (Bundesliga il padre, istruttore di spinning la madre) si immolano sull’altare della famiglia. Tutto inferiore al videogioco, uno dei pochi franchise ad avere mantenuto la sua anima di intrattenimento, senza trame da sceneggiatore frustrato. Quelle sarebbero servite al cinema… Però in quell’ora e quaranta il bambino si è divertito molto e questo vale più di tutto. Recensione quindi positiva.

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In onore del grande Mario Adorf, da poco scomparso, abbiamo rivisto ieri notte per l’ennesima volta Milano calibro 9, uno di quei pochi film di culto capaci davvero di reggere il tempo oltre il sentito dire e le pillole social che danno vita eterna a opere che complete erano e rimangono inguardabili. Meno violento del poliziottesco medio, ma comunque un pugno nello stomaco per chi è è abituato ai film carini, il capolavoro di Fernando Di Leo liberamente ispirato ad alcuni racconti di Scerbanenco è anche una testimonianza storica: perché gli anni Settanta italiani, ricordati oggi soltanto in chiave politica, sono stati un decennio di criminalità comune a livelli assurdi. Nella sola Milano del film c’erano 10 volte più probabilità di essere uccisi rispetto a oggi, con quasi le stesse proporzioni per i reati minori. Mutatis mutandis, immaginatevi il decuplo dei maranza esistenti oggi.

Tornando a Milano calibro 9, impossibile non rimanere colpiti a distanza di 54 anni dalla scena iniziale del passaggio del pacco, sulla musica di Bacalov, dai cartelli stradali, dalla tristezza della Stazione Centrale, dalle facce dei criminali con Adorf-Rocco Musco a giganteggiare, dalla forza con cui vengono caratterizzati i personaggi, quasi tutti interpretati da attori super: ovviamente Gastone Moschin-Ugo Piazza, che quasi fino alla fine mantiene il suo segreto anche con lo spettatore, l’orgoglioso Chino di Philippe Leroy, con la nostra esaltazione raggiunta grazie al commissario di destra di Frank Wolff e al vicecommissario di sinistra di Luigi Pistilli. Due fuoriclasse accomunati anche dal suicidio: l’attore americano in più generi si sarebbe tolto la vita pochi mesi dopo le riprese di Milano calibro 9; quello italiano, fra i massimi interpreti di Brecht, nel 1996.

Non ci sono parole per descrivere la Barbara Bouchet del tempo, che entra in scena con la go-go dance e rimane nella nostra testa per sempre. Fra l’altro unica/o di Milano calibro 9 ad apparire anche nel remake alla romana Diamanti sporchi di sangue e nel sequel del 2020, Calibro 9, con tanto di figlio di Piazza: buoni film ma lontanissimi dall’originale e da un’Italia nella vita di tutti i giorni davvero da non rimpiangere, anche se noi personalmente ci stavamo benissimo e avevamo i nostri genitori giovani e forti, Boninsegna, Mennea, Jura, Panatta, eccetera. Per motivi che non sapremmo spiegare però quell’epoca, e non soltanto da noi, produceva grande letteratura, grande musica, grande cinema.

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La morte dell’immenso Chuck Norris non ci ispira alcun coccodrillo, un po’ perché tutti i coccodrilli sembrano scritti dall’AI (e nel 90% dei casi, anche per i giornaloni, è proprio così) e molto perché nel nostro cuore anni Ottanta lui vivrà per sempre attraverso film artisticamente di Serie B ma di Serie A per i valori che veicolano, oggi più di ieri. Il repubblicano che difende la patria senza eccessi è nel 2026 rimpianto più dai democratici che dai trumpiani, un po’ il solito discorso che trasforma gli avversari di ieri in padri della patria ma a patto che siano morti. Da Bossi a Cirino Pomicino, non occorre nemmeno fare esempi datati.

Insomma, il Norris rimpianto dal mainstream è il Norris di Walker Texas Ranger più che di tanti film che ci è facile collocare in una classifica, da tante volte in cui li abbiamo visti. Primo posto per Rombo di tuono, secondo per il suo prequel Missing in action (peraltro titolo originale di Rombo di tuono), terzo per Delta Force. In generale abbiamo sempre preferito il Norris militare o combattente al Norris poliziotto (rivisto di recente Codice del silenzio senza grosse emozioni, in questa veste il top è in Una Magnum per McQuade), ma è questione di gusti e non è che critichiamo chi ama i film su cinquantenni romani in crisi. Di sicuro lui era uno vero, come militare (quattro anni nell’Air Force, inoltre figlio di un veterano della Seconda Guerra Mondiale e fratello maggiore di un caduto in Vietnam) e come sportivo.

Stella del karate professionistico americano negli anni Sessanta, dopo un’adolescenza stando ai suoi racconti abbastanza triste (non al punto di inventarsi episodi di bullismo ai suoi danni. o abusi di un qualche prete: l’entry level delle celebrità attuali), aveva appreso il Tang Soo Do mentre era di stanza in Corea, per poi praticare qualsiasi altra arte marziale una volta tornato in America. Soprattutto il karate shotokan, diventando campione del mondo dei pesi medi nel 1968 e ritirandosi da imbattuto, nei match per il titolo, nel 1974, con un record totale di 183 vittorie, 10 sconfitte e 2 pareggi.

Domanda dal Champions Pub, mentre sale la tensione per il rinnovo di Spalletti: perché Chuck Norris non partecipò mai alle Olimpiadi? Il maestro Budrieri, anche lui ispiratore di tante arti marziali (oltre ovviamente che del krav maga), direbbe che il karate non è stato sport olimpico fino a Tokyo 2020 e che già a Los Angeles smetterà di esserlo, con una scelta senza senso. Praticanti del karate nel mondo: un centinaio di milioni. Praticanti della scherma? Due milioni e mezzo. Praticanti del ciclismo su pista, contando anche gli amatori? Stimati in circa 80.000. Numeri e non pugnette.

In ogni caso il karate americanizzato era del tipo point-fighting e pur non essendo full contact permetteva tocchi leggeri, diversamente dal karate olimpico dove ci si sfiora. Il karate di Chuck Norris, quello point-fighting, è per intenderci quello che (estremizzato) si vede in Karate Kid e Cobra Kai. Un karate meno coreografico e più cazzuto, se vogliamo. Ma al di là del dettaglio che Norris non potesse partecipare alle Olimpiadi in uno sport che non era olimpico, c’è anche da dire che il circuito americano era professionistico e pensando a quanto accadeva in nuoto e atletica non avrebbe potuto essere della partita nel 1968, nel 1972 o eventualmente nel 1976.

Rimandiamo a Wikipedia per il palmares completo, e andiamo sulla cosa secondo noi davvero notevole e cioè che Norris nel 1990, all’apice del successo al cinema, abbia fondato uno sport, il Chun Kuk Do, parente americano del Tang Soo Do, che all’originale coreano (antenato del taekwondo, fra l’altro) aggiunge elementi di karate, judo, e Jiu-Jitsu brasiliano. Uno sport che Norris definì anche The Universal Way e che in questa variante oggi è praticato da circa 10.000 persone. Ma ovviamente la parte del Chuck Norris System che ha più colpito noi della repubblicana periferia Ovest non sono i colpi e le mosse ma il suo codice etico, che sul web si trova dappertutto e che noi elenchiamo con libera traduzione. Sono 11 punti, per noi comandamenti. Gli 11 comandamenti di Chuck Norris.

1. Svilupperò il mio potenziale al massimo.

2. Dimenticherò gli errori del passato e penserò agli obbiettivi del futuro.

3. Avrò una mentalità positiva e la trasmetterò agli altri.

4. Cercherò di sviluppare nella mia famiglia amore, felicità e lealtà, perché nessun successo dul lavoro compensa un fallimento in casa.

5. Nelle persone cercherò il bene, provando a farle sentire tutte importanti.

6. Se non posso dire niente di buono su una persona allora starò zitto.

7. Sarò felice per i successi degli altri.

8. La mia mente sarà aperta.

9. Rispetterò l’autorità.

10. Sarò leale al mio Dio, al mio paese, alla mia famiglia e ai miei amici.

11. Per tutta la vita sarò concentrato sugli obbiettivi.

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Strepitoso al cinema 19 anni fa, 300 ci è piaciuto molto anche rivisto in televisione su HBO l’altra sera. Immagini e immaginario grandiosi, Gerard Butler super come Leonida, tutto strepitosamente esagerato. Come Franco Rossi, che non perdiamo occasione per ricordare (con i pochi amici siamo così) e che agli Spartani delle Termopili dedicò interventi memorabili, orali e scritti, con una rivelazione che lasciava di stucco molti: in pratica i 300 di Leonida sarebbero state 150 coppie gay, scelte appositamente per rendere granitico il già notevole cameratismo dei guerrieri spartani.

Una provocazione delle sue? Noi ignoranti? Tutte e due le cose, anche se in ogni caso il punto di partenza non erano il film (che a Franco non era piaciuto particolarmente) né le invasioni dei Persiani ma il solito, cioè il Brasile del 1970, quello costruito da Saldanha e poi portato al trionfo da Zagalo non ancora Zagallo. Un Brasile in cui a detta di alcuni giornalisti al seguito, e anche di Franco, c’erano diverse coppie gay, secondo le versioni più estreme addirittura cinque. Il senso del discorso era sottolineare che un certo tipo di rapporto rinforza la squadra. O anche, rigirando il discorso, che il vero spirito di squadra porta ad amare i compagni, magari in maniera anche soltanto platonica. In ogni caso Clodoaldo non si discuteva.

Nel film di Zack Snyder non c’è traccia di gayezza, almeno secondo noi (tutto è negli occhi di chi guarda), ma non c’è dubbio che in Grecia anche in ambito militare, anche nella cazzutissima Sparta, certi amori fossero diffusi, soprattutto con lo schema vecchio-giovane o, se vogliamo (ma proprio se vogliamo), mentore-allievo. Rapporti che non necessariamente avevano uno sbocco sessuale, tanto meno di coppia come la intendiamo oggi con il pranzo dai suoceri o peggio ancora il weekend in una SPA.

Comunque sia, le parole di Franco ci spinsero a riaprire (anzi ad aprire) qualche libro: alle Termopili non c’erano 150 coppie gay, mentre è vero (per gli asteriscabili storici dell’epoca) che altre città della Grecia avevano eserciti in cui la presenza di diverse coppie era favorita. L’esempio massimo il Battaglione Sacro di Tebe, 300 uomini espressione (secondo Plutarco) di 150 coppie con struttura per così dire pederastica. L’idea di base era che di fronte al proprio amante chiunque tenda a dare il meglio, comunque a non fare la figura del vigliacco. Ma gli Spartani erano già spartani di loro, non avevano bisogno di questo doping affettivo.

Tornando al film, confessiamo di avere sperato, nel 2007 e addirittura anche poco fa davanti alla televisione pur sapendo come finiva, che la licenza poetica si sarebbe spinta fino al punto di sconfiggere i Persiani, che secondo Erodoto erano quasi 3 milioni come esercito, e alle Termopili almeno 200.000, ammazzando Serse (la sua voce computerizzata una trovata geniale) che pretendeva la sottomissione, o che magari l’orrido Efialte non avrebbe rivelato il sentiero segreto per aggirare gli spartani. Ma anche un fumettone, 300 nasce proprio da una graphic novel oltre che dalla Storia, ha i suoi limiti e il film non li ha superati. Al di là del discorso gay un film molto maschile, di quelli che si fanno sempre meno: nessun guerriero spartano nero, donna, dubbioso, fragile.

Senza contare l’aspetto ideologico, tutt’altro che subliminale. Gli Spartani siamo noi, sì anche noi che la cosa più coraggiosa che facciamo è guardare Open VAR e che già trovavamo pesante il doposcuola (figurarsi l’agoghè), mentre i Persiani sono ‘loro’. Brutti, indifferenziati, stupidi nell’attaccare uno alla volta come i mostri anti-Jeeg. I Persiani, anzi il dream team che avevano messo insieme e che andava dagli Egizi ai Babilonesi, però dopo le Termopili conquistarono davvero quasi tutta la Grecia, distruggendo anche Atene, prima che a Salamina il tattico Temistocle (protagonista del buon sequel del 2014, 300: L’alba di un impero) facesse girare la storia. Anche la nostra.

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Il 90% delle persone non ha mai visto una scena di Mezzo destro mezzo sinistro - 2 calciatori senza pallone. Però è anche vero che il 90% dei nostri amici considera questo film un capolavoro, e noi con loro. Senza bisogno di rivalutazioni snobistiche o di letture politiche, come reazione al cinema italiano assistito di oggi (il successo di Checco Zalone con il meno divertente dei suoi film si spiega anche così), Mezzo destro mezzo sinistro racconta magnificamente la sua epoca e quindi è interessante anche per chi di epoche ne ha vissute altre.

Detto questo, non vi ammorbiamo con l’ennesima recensione del film che Sergio Martino aveva pensato come un sequel del suo L’allenatore nel pallone, al punto che il protagonista sarebbe dovuto essere Lino Banfi-Canà, con Gigi e Andrea confermati nel ruolo di faccendieri. Ma Banfi non era libero e comunque il suo ingaggio sarebbe stato insostenibile per un B-movie (il sequel, davvero bruttissimo, l’avrebbe fatto nel 2008), così la sceneggiatura venne stravolta e Sammarchi-Roncato da coppia di procuratori divennero una coppia di calciatori a fine carriera, spompati e demotivati, Cesarini e Margheritoni, presi dalla neopromossa Marchigiana in una stagione che è la 1985-86 visto che affrontano il Verona con lo scudetto sulla maglia.

Esaltante come tutto quel cinema, legato ai gusti del pubblico e non a una regione o a una banca che fanno i mecenati con i nostri soldi, fosse fatto in economia anche quando aveva successo. Un vero festival del riciclaggio: la partita contro il Milan riprende il derby del 1981 (già visto in Eccezzziunale), mentre Atalanta-Marchigiana utilizza immagini di Atalanta-Sambenedettese di due anni prima. E la musica dei fratelli De Angelis è la stessa di Bomber. Riciclate addirittura anche le locandine, con le foto di Gigi e Andrea uguali a quelle dell’Allenatore nel pallone. Da sballo poi le scene in una molto presunta America.

La vera domanda rimane comunque la seguente: a quale giocatore si ispirò Roncato per il personaggio di Margheritoni? Nella sua autobiografia, Non solo Loris Batacchi, libro che abbiamo divorato, Roncato non lo dice. Il fatto che Margheritoni all’inizio giochi negli Stati Uniti fece all’epoca pensare a Chinaglia, che comunque nel 1985 non giocava più ed era presidente di una memorabile Lazio che riuscì nell’impresa di finire in B con Giordano, Mandredonia e Laudrup. Secondo un’altra teoria Martino si era ispirato all’Altafini di qualche anno prima, se non addirittura a Petrini. Noi personalmente abbiamo sempre pensato a Bob Vieri.

Nessun dubbio che il presidente Beccaceci, uno Spaccesi over the top, sia ricalcato su Costantino Rozzi, e che l’allenatore-filosofo Coligno (Gianni Ciardo) richiami Scopigno. Comunque sia, noi fedelissimi ridiamo ogni volta che sentiamo parlare della figlia di Jorio-Iorio, che ci godiamo la sfida di Margheritoni con il cattivissimo stopper della Fiorentina e che vediamo il suo riscaldamento prima di sostituire Vacca-Pino Insegno contro l’Eintracht. E ci emozioniamo, pur sapendo che è una stronzata, per la doppietta ai tedeschi in Mitropa Cup dopo che gli insulti di un tifoso hanno fatto scattare l’orgoglio nazionale del campione.

Ma l’emozione più grande, nel 2025, è per il cameo di Paolo Rossi, fra i tanti del film: in spiaggia a Riccione in una spiaggia ordinaria, intervistato da Isabel Russinova, e poi a Ischia per uno squallidissimo torneo-marchetta di tennis: parliamo di quello che all’epoca era uno dei volti più popolari al mondo, protagonista a Mondiale di tre anni prima. Come fare la stessa cosa oggi con Messi. L’unica cosa davvero da rimpiangere di quel calcio quasi inguardabile sono le distanze ridotte fra noi e i campioni. Anche per questo c’era identificazione, anche per questo ce ne fregava qualcosa.

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Perché l’avvocato Giovanni Covelli ci tocca nel profondo? Il pomeriggio del 25 dicembre tutti citiamo obbligatoriamente la sua battuta più famosa in Vacanze di Natale, “E anche questo Natale… se lo semo levato dalle palle!”, in maniera quasi liberatoria. Da adulti anche di più. Perché da giovani, le prime volte delle almeno 40 in cui abbiamo visto il film, nella realtà il Natale non era un peso: mangiavamo dicendo quattro stronzate, in ogni caso senza preparare, lavare i piatti e meno che mai pagare, giocavamo a tombola, alla roulette o a Risiko a soldi, e nella peggiore delle ipotesi andavamo in camera nostra in compagnia delle varie console del cuore, dal Ping-o-tronic regalo di Natale 1977 fino al Megadrive (la perfezione), passando per l’Intellivision (appena uscita la interessante Sprint, ma abbiamo l’originale ancora funzionante…) e il Commodore 64. Nell’era PlayStation, siamo arrivati alla 3 ma abbiamo appena regalato la 5 (sperando che…), eravamo troppo vecchi per scappare.

Ma dicevamo di Giovanni Covelli, interpretato magistralmente dal grande Riccardo Garrone, padre di Roberto-Christian De Sica, del simil-Malagò Luca-Marco Urbinati e di “Faccia da caciotta” (nel 1983 il tema del body shaming non era centrale) Diamante -Roberta Lerici, oltre che marito, nel film, di Rossella Como. Insomma, tutti sapete di cosa stiamo parlando. L’avvocato Covelli ci tocca nel profondo perché in tutte le scene in cui compare incarna l’uomo disilluso, non triste o negativo ma serenamente rassegnato, uno al quale nella vita è andata bene ma che proprio per questo percepisce l’assenza di senso di tutto. Senza sovrastrutture ideologiche o filosofiche ma così, instintivamente, per stanchezza, per avere visto e sentito troppe volte le stesse cose. Anche Arturo Marchetti-Mario Brega è uno che ce l’ha fatta, che partendo dal niente ora si può permettere Cortina, la differenza è che lui ci crede.

L’arrivo a Cortina in Maserati con l’aria annoiata, accolto da Pupin (da non confondersi con Pasin, il padre di Evelina) subito pressato dalla moglie rompicoglioni, il pranzo leggendo il giornale nella speranza di non essere disturbato (“Levateje er vino” dice quando la moglie alza la voce o lo invita a intervenire con i figli), il rimprovero politicamente scorretto (“Moderno un par de palle!”) quando scopre Roberto a letto con l’iconico maestro Zartolin, l’uscita dal ristorante ringraziato dal maître (“Grazie, Carlo, Grazie… co’ ste botte, Grazie!”).

Tutte scene super, al primo, secondo e terzo livello di lettura dei Vanzina, anche se quella più emblematica è secondo noi quando Asuncion gli legge i programmi televisivi della serata, tutti delle reti Fininvest, all’epoca viste da chi voleva migliorare la propria condizione piccolo o medio borghese e non da un sottoproletariato contento di esserlo, carne tatuata da macello per la De Filippi (la vera intoccabile) o Signorini. Uno scambio meraviglioso quando la domestica legge “E naturalmente su Retequattro la commedia del del mese: Natale in casa Covello”. Lui la corregge un po’ scazzato, con la cultura da Settimana Enigmistica che già permette di sfottere gli inferiori: “Cupiello!”. E lei stravince, ma con amarezza: “Avvocato, era solo battuta! Natale mi dà il buonumore!”. Geniali Carlo ed Enrico Vanzina, anche nel far interpretare a una giapponese la parte di una filippina. Ma all’avvocato Covelli, e nemmeno a noi, importava. Erano gli anni Ottanta e un po’ ci sono ancora. Auguri da Indiscreto.

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È più woke Zootropolis 2 o Zootropolis 1? Mentre con nostro figlio eravamo al cinema, il pregevole Anteo di Citylife, a vedere il 2, che comunque la si veda è uno straordinario successo mondiale, ci siamo fatti la domanda e anche dati la risposta. È più woke il 2, anche se asterischiamo il fatto di averlo visto una sola volta mentre l’1 lo conosciamo, forzatamente, quasi a memoria. Il film del 2016 era una critica ai pregiudizi razziali e sociali, con la metafora di predatori e prede e l’evidenziazione della stupidità di tanti stereotipi. Però tutto sommato era un classico film Disney buonista, calato in tempi moderni.

Zootropolis 2, invece, è politicamente più impegnato, con tre temi che ci sono sembrati chiari: gentrificazione, colonialismo, esclusione sociale. Discorsi, come si nota, enormi, che non si possono liquidare con qualche slogan di destra o di sinistra. Ed infatti le opinioni sul film sono tutto sommato trasversali… Certo la coppia protagonista, Judy e Nick, ha perso un po’ di conflittualità e quindi di sprint, e tutta la trama (non stiamo a raccontarla, una qualsiasi AI può farlo) è più lenta, pallosa e schiava del messaggio, anzi dei messaggi politici che portano inevitabilmente a dare al film un giudizio politico, se visto da adulti.

I serpenti rappresentano i popoli indigeni messi ai margini, vittime di un sistema dominato da mammiferi potenti, simboleggiati dalle linci della famiglia Lynxley. Le linci, che chiunque può associare a un mondo occidentale, europeo o americano bianco, incarnano i colonizzatori che usano menzogne, violenza e manipolazione per espandere il loro territorio, giustificando l’esclusione di altri come “pericolosi” o “inferiori”. Un’allegoria chiave è la pulizia etnica dei rettili: un secolo prima, dopo un presunto attacco di un serpente i rettili vengono demonizzati come violenti e banditi da Zootropolis, con la loro segregazione in zone isolate come il Marsh Market, un’area paludosa auto-gestita, popolata da gente fuori dal sistema.

Il film collega questo a un complotto familiare: Ebenezer Lynxley, fondatore della città, che ruba l’invenzione del “muro climatico” (che permette la coesistenza di biomi diversi) alla bisnonna serpente Agnes De’Snake, che lo aveva ideato per un’accoglienza universale, per poi cancellarne la memoria e arricchirsi, perpetuando una ricchezza generazionale basata sul furto. In parole povere, l’ennesima opera che spiega ai bambini occidentali che i colpevoli di tutto sono i lorto avi e che quindi, in un certo senso, è giusto che loro siano sottomessi ai discendenti degli sfruttati di ieri. Meno male che i bambini non lo possono capire, anche se qualcosa rimane sempre dentro.

stefano@indiscreto.net