Abbiamo appena dato la disdetta dall’abbonamento a Sky, decisamente più facile del previsto anche se non immediata come su altre piattaforme: con il fai da te è poi impossibile, bisogna telefonare con la speranza che non ci sia qualche vincolo. Comunque ci abbiamo messo mezz’ora circa, fra le varie attese astutamente disincentivanti. Adesso non è che vogliamo rileggere Proust o che all’improvviso abbiamo una vita degna di essere vissuta, è soltanto che per prezzo e modalità d’uso (guardiamo Sky quasi soltanto sull’iPad) preferiamo abbonarci a NOW.

L’effetto del chissenefrega alla Cuore dei bei tempi (la serie del Mondiale ‘90 rimane fantastica) è mitigato da una riflessione abbastanza profonda: e cioè che fa impressione pensare che eravano abbonati esattamente da 32 anni, dal 1994, quindi fin dai tempi di Telepiù e dei pagamenti con il bollettino (il primo era tipo 45.000 lire) facendo la coda in via Novara in un ufficio con temperatura interna di 200 gradi e senza nemmeno i numerini di carta, con liti per le precedenze che sembrano preistoria. Se ci consentite una digressione da bar dell’economia, le Poste secondo noi hanno cambiato marcia dopo i quattro anni (1998-2002) di Passera amministratore delegato.

La storia di Telepiù-SKY è quindi in parte anche la nostra storia di follower, con vari incroci personali, sia pure non ai massimi livelli: il primo addirittura nel 1992, come spacciatori di decoder nei supermercati. Avete presente quei ragazzi che vogliono venderci qualcosa e che cerchiamo di evitare cambiando corsia o fingendo di concentrarci su Oreo o Tuc? Ecco, noi.

Al di là di questo è interessante ricordare la nascita di tutto. Nel 1990 Telepiù fu la prima piattaforma televisiva a pagamento in Italia ed era controllata al 35% da Cecchi Gori, che da poco aveva preso la Fiorentina, al 45% da Leo Kirch e al 10% da Berlusconi e soci minori. Ma tutti percepivano Telepiù come qualcosa di controllato da Berlusconi, alla Italia Sette, un Berlusconi che usava grandissimi imprenditori (all’epoca Cecchi Gori era anche suo amico) quasi alla stregua di prestanome.

Dopo vari cambi nell’azionariato l’era Telepiù sarebbe finita nel 2003, con la fusione con Stream da cui nacque la Sky arrivata fino ai giorni nostri, all’inizio controllata all’80,1% da Murdoch, che due anni dopo avrebbe comprato tutto, e per il resto da Telecom. Dal 2018 la baracca è di Comcast, ma dal nostro punto di vista sono 32 anni che ogni mese versiamo soldi a questa entità, di chiunque sia. E proseguiremo a farlo,. visto il trasloco su NOW.

Quanto abbiamo pagato finora? Trasformando le lire in euro e attualizzando i subtotali siamo arrivati a 24.100 euro totali di oggi: anche se ce li fossimo tenuti non riusciremmo nemmeno a comprarci metà di un box. Al netto della demagogia e della filosofia da pezzotto, diffusa da gente che si fa inculare 25 euro per una pizza, fra i soldi meglio spesi della nostra vita.

stefano@indiscreto.net

Per qualche puntata abbiamo sperato che Rooster fosse la prima serie televisiva contro la cultura woke. Errore nostro. Ma quelli di HBO, pur bravissimi, non sono così stupidi e/o coraggiosi da mettersi contro la critica e anche un certo tipo di pubblico che per quanto riguarda lo streaming sembra dominante, genere fighetto metropolitano che ordina l’okonomyiaki su Glovo pontificando contro lo sfruttamento capitalistico. Comunque sia, la serie che stiamo seguendo su HBO Max e che ha come ottimo protagonista Steve Carell nel ruolo del romanziere pop Greg Russo, è divertente e offre più di uno spunto di riflessione. Insomma, pur senza avere visto la luce la consigliamo. È piaciuta anche ad altri, infatti ci sarà una seconda stagione.

Di culto la scena in cui Carell-Russo inciampa e si ritrova a fare involontariamente la danza di Walk Like an Egyptian (alle residenze Anni Azzurri ci hanno capito) per mascherare la caduta. Subito viene convocato dal comitato disciplinare del college (una delle tante convocazioni-processi, per i motivi più assurdi) per “comportamento culturalmente insensibile”. Una scena che al netto dei dibattiti sulla cancel culture mostra come l’istituzione universitaria sia ormai una macchina in grado di trasformare qualsiasi cazzata in un caso disciplinare. Non pensiamo di spoilerare dicendo che la serie non è tutta così, anzi ci mostra anche la bellezza della vita universitaria che personalmente non abbiamo praticato né in Italia (ci presentavamo soltanto per gli esami, anelando il 18 rifiutato da Sergio Vastano) e tanto meno in un’America che abbiamo conosciuto da turisti.

Rooster è ambientato al Ludlow College, un immaginario ateneo del New England dove Greg arriva per una conferenza e poi rimane perché sua figlia Katie, professoressa di storia dell’arte, sta attraversando una crisi con l’egocentrico marito Archie, che fra una lezione di storia russa e un libro ha messo incinta un’altra. Il rettore fanatico della sauna, un po’ troppo macchiettistico (l’unica altra macchietta è il poliziotto, anche lui ovviamente bianco di mezza età), offre a Greg un incarico semestrale e tutto si gioca sullo stupore di un uomo al di fuori dei circuiti accademici, per quanto scrittore di successo (Rooster è il protagonista dei suoi libri), per la liturgia dei college.

Il merito principale della serie è quello di esistere, in un panorama televisivo in cui l’ambiente universitario viene spesso trattato con la deferenza che i giornalisti italiani riservano a Mattarella, ai virologi o al David di Donatello. In sostanza è una commedia e il meccanismo ricorrente delle gaffe di Greg funziona: ogni sua azione innesca una procedura disciplinare e la serie usa questo schema per mostrare come il sistema sia diventato capace di punire l’ingenuità con la stessa efficienza con cui punirebbe la malafede. Volendo volare alto possiamo dire che sia una critica soft alla cultura del processo sommario.

E quindi? Nel corso delle puntate Greg si istituzionalizza più di quanto l’istituzione accetti un corpo estraneo come lui, o comunque valori diversi da quelli ‘buoni’. Per come l’abbiamo capito, il messaggio è più o meno questo: la cultura woke ha aspetti ridicoli, ma l’uomo bianco di mezza età deve adattarsi o scomparire. Insomma, Greg vuole evitare di sembrare di destra (già la sua passione per l’hockey, con una parentesi come allenatore, lo mette in cattiva luce) o anche soltanto di offendere qualcuno, per questo una buona idea di base si trasforma in una commedia divertente ma inoffensiva o, se vogliamo, inoffensiva ma divertente. Certo in Italia sul mondo dell’università non è quasi mai stato fatto niente del genere, parlando di grandi produzioni, mentre su scuola dell’obbligo e licei esiste l’impossibile, oltretutto quasi sempre con la chiave del docente-eroe.

stefano@indiscreto.net

Pochi personaggi televisivi sono esentati dalle critiche, o perché troppo potenti o perché inseriti nel giro giusto. Oppure, azzardiamo, perché il giornalista medio con la logica del ‘non si sa mai’ si aspetta sempre un invito, una citazione. una proposta di lavoro, anche soltanto un cenno di benevolenza da parte del collega famoso o un cinque alto dal personaggio pop. Del primo gruppo di esenti da critiche, genere Maria De Filippi, fanno ovviamente parte in pochi, mentre i componenti del secondo sono tanti e fra questi ci ha spesso colpito la figura di Francesca Fagnani.

Ne scriviamo un po’ per le polemiche generate dall’intervista a Roberto Savi nello spin-off Belve Crime e molto perché nei giorni scorsi per pura servitù della gleba ci siamo inflitti tramite RaiPlay due delle interviste della nuova stagione di Belve propriamente detto, a Brigitte Nielsen e a Micaela Ramazzotti, i due personaggi secondo noi più interessanti fra quelli finora invitati. Ecco, nonostante le due intervistate avessero molto da dire e qualcosa abbiano anche detto (confermando la nostra fissazione che le interviste vadano pagate, a meno che siano uno scambio alla pari), non soltanto su Stallone e Virzì, le domande della Fagnani sono rimaste quelle di sempre, molto sotto al livello di un Marzullo e senza nemmeno il candore-stupore di un Gazzoli.

Che belva si sente? Mi dica un suo pregio… Mi dica un suo difetto vero. Lei è più in credito o in debito con la vita? Lei ha più ammiratori o detrattori? Mi dica una bella belvata di cui si pente… Qual è la cosa di cui si vergogna di più? Potremmo andare avanti a lungo con questa specie di messa cantata di domande standard, con risposte quindi preparate da ufficio stampa (ma qualcuno le sbaglia lo stesso e se la prende anche, tipo la Brignone) e recitate male in stile donna assertiva, domande a cui di recente si è aggiunta forse su ispirazione di Corona quella sul fare o meno parte del cosiddetto circolino, o circoletto.

Circoletto che nel cinema è quel mondo romano o romanocentrico fatto di 5 produttori, 10 registi e 20 attori, sempre gli stessi, ma che nel giornalismo è in realtà molto più forte perché il giornalista giudica, o per lo meno racconta, il lavoro degli altri, influenzando carriere più di quanto possano farlo Mastandrea o Elio Germano. Qualcuno di importante, quindi non Indiscreto, ha mai preso in giro i terrificanti romanzi di Veltroni o anche soltanto la sua ridicola intervista a Claude?

Il circoletto giornalistico è quello di cui la Fagnani fa parte, non soltanto come compagna di Mentana (il che per interposto Cairo significa non essere sbranata da Aldo Grasso, già un buon inizio), è in realtà un circolone. Chi non ha un libro da presentare, magari scritto proprio da Claude, o un’iniziativa da promuovere? Detto che è in Belve Crime che nella Fagnani si vede vera passione (senza senso le polemiche su Savi, come se fosse il primo criminale a rilasciare un’intervista), il Belve pop è diventato una vera trasmissione da circoletto, fingendo oltretutto di prenderne le distanze, una trasmissione fastidiosa quasi quanto il suo montaggio epilettico, con tagli fatti usando il machete. Anche se è una delle poche della RAI che ogni tanto faccia notizia. Perché i comunicati degli uffici stampa sono sempre uguali, ma sta al circoletto riprenderli o meno.

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Dopo duemila avvocati televisivi americani finalmente uno italiano che funziona. Avvocato Ligas, vista su Sky in ritardo come al solito, è davvero divertente, ben scritta e con un Luca Argentero in formissima nella parte di un avvocato, appunto, milanese semi-alcolizzato ma lucidissimo e alle prese con casi disperati e molto mediatici: per dissidi (è stato con sua moglie) con il titolare dello studio Ligas infatti viene invitato ad andarsene e quindi ha bisogno di processi che gli consentano di mettere il faccione davanti alle telecamere.

Della serie, con la prima stagione articolata in sei episodi, non sono interessanti le storie in sé, anche se quella del simil-Cruciani e del vicino di casa rapinatore sono notevoli, quanto il linguaggio diretto e cinico, senza bisogno di una morale e della sua ricerca. Ligas vorrebbe tornare con la moglie ma lei non lo vuole più (anche se…) a beneficio di Raz Degan, si capisce che è stato con la pm e che starà (anche se non è successo) con la sua assistente-praticante (Marina Occhionero), anche lei ottimo personaggio. Ma su tutto, ripetiamo, vincono il linguaggio e un Argentero mattatore.

La serie, che avrà una seconda stagione, ci è piaciuta anche perché ambientata a Milano. Non che abbiamo bisogno di vederla in televisione, visto che ci viviamo, ma perché è una rarità. E lo confermano i successi delle rare fiction ambientate al Nord, come quella sugli 883. Il 25% degli abbonati di Sky risiede in Lombardia e comunque quasi il 65% (Fonti IT Media Consulting e Agcom) vive dall’Emilia Romagna (compresa) in su. Senza citare punte come Gomorra e Romanzo Criminale, nella media non puoi fare prodotti lontani dall’immaginario di chi ti mantiene: sembra una banalità ma le cose non funzionano proprio così. Altri discorsi per RAI e Mediaset, visto che nel primo caso chiunque abbia l’elettricità paga il canone (la misura migliore di Renzi) e nel secondo c’è la pubblicità, in ogni caso anche loro a colpi di Imma Tataranni e Cesaroni sono geograficamente molto sbilanciate.

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Come è possibile che uno che ha studiato alla Columbia parli inglese come noi che lo abbiamo imparato con le canzoni di Den Harrow? L’aspetto più ipnotico di Sognando Rosso, il documentario di Manish Pandey (lo stesso del bellissimo Senna) da poco visto su Sky, è proprio il modo in cui Luca Cordero di Montezemolo, forever il LCDM di Sergio Vastano, si esprime raccontando la sua carriera in vari campi, con la Ferrari ovviamente al centro di tutto. Una narrazione in inglese, un inglese corretto ma ben lontano da quello dell’Avvocato, da lui evocato in più punti di un documentario agiografico pieno di buchi (anche senza arrivare alle celeberrime banconote nel libro di Enzo Biagi) ma con diversi punti di forza.

Il primo è l’Italia da cartolina che Montezemolo ‘vende’: il vino, la campagna, i portici di Bologna, Roma guidando la 500, il ristorantino, il vino, appunto la Ferrari. Sarebbe trash se lui non ci credesse davvero e molto, raccontando la sua Italia con un entusiasmo trascinante non soltanto per uno straniero. A parlare è un Montezemolo a quasi 80 anni pensionato superlusso sui colli bolognesi, in una magnifica tenuta, fuori dai giochi ma non al punto di regalare giudizi taglienti. Con mancanza di stile uno dei pochi criticati, sia pure in maniera soft, è il Marchionne che nel 2014 di fatto lo mise alla porta, prima della quotazione in Borsa.

Altro punto di forza di Sognando Rosso (titolo originale Luca: Seeing Red), è la collaborazione totale di Montezemolo, che per una settimana si mette a disposizione di Chris Harris, è la riduzione al minimo della nostalgia anche quando vengono rievocate vittorie come quella di Lauda e Schumacher, l’operazione Azzurra, Italia ‘90… La nostalgia semmai viene allo spettatore canottierato, che per qualche giorno aveva abbandonato il valzer dei portieri di David Messina per leggere le cronache da Newport. Interessanti anche certe dinamiche aziendali, fra scelte sbagliate ed altre lungimiranti: la trasformazione della Ferrari da macchina per ricchi appassionati a brand del lusso fu tutta sua, a inizio anni Novanta.

Molto evidenti sono anche i difetti. Il più ovvio è che questo documentario nemmeno finge equilibrio, passando dalla celebrazione all’autocelebrazione di Montezemolo, sia pure con una certa misura. Poi al netto delle tante omissioni (il motivo per cui fu esiliato alla Cinzano, la Juventus, l’ennesima faida agnelliana che lo prese in mezzo, i cattivi risultati del post-Schumacher, gli aspetti politici delle varie crisi della FIAT) tutto viene affrontato con una certa superficialità, ipotizzando di rivolgersi a uno spettatore che a malapena sappia chi sia Montezemolo. Insomma, un film fatto per gli stranieri: non è un difetto, basta essere stranieri.

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John Elway è stato probabilmente il più grande perdente nella storia dello sport. Perdente per i media, si intende, quei media che se fossero italiani definiremmo italioti ma che nel suo caso erano/sono americani e che gli imputavano di non avere mai alzato un trofeo fra high school, college e NFL, con i tre Super Bowl persi da leader dei Broncos (uno solo però da favoriti, quello contro i Redskins). Tutti sanno che Elway si sarebbe rifatto con gli interessi, vincendo due Super Bowl prima di ritirarsi, passare un periodo buio e poi diventare il primo e a memoria unico a conquistare la NFL sia da stella della squadra sia poi da dirigente top.

La chiave di Elway, uscito su Netflix a fine 2025 e da noi visto solo poco fa, non è la carriera in senso stretto del grande quarterback ma proprio il compiacimento che molti hanno nel sottolineare quando uno bravo non vinca. Di solito perché trova uno quel giorno più bravo, al di là del fatto che il football sia il più di squadra degli sport di squadra e la carriera di tanti quarterback vada letta anche in relazione al valore della loro offensive line. Chi ne capisce potrebbe spiegare perché negli anni Ottanta Elway fosse uno dei quarterback che subiva più sack mentre più avanti, con il passaggio della squadra a Mike Shanahan, ex offensive coordinator, la situazione sarebbe cambiata. Fino all’epilogo davvero da film contro gli Atlanta Falcons di Dan Reeves, il coach del suo primo periodo a Denver, con il quale Elway aveva spesso litigato.

Ma veniamo al punto: perché Elway fino a quando non ha vinto è stato considerato più perdente di tanti altri predestinati, nei vari sport? Più di Dan Marino, per citare un collega quasi coetaneo, addirittura più di Jim Kelly, altro fuoriclasse, che di Super Bowl ne aveva persi addirittura quattro. Poi uscendo dal football ci si apre un mondo, da Charles Barkley a Ron Clarke, con anche qualche esempio alle vongole tipo Gallinari o Baggio. Nessuno di quelli forti è però mai stato sbeffeggiato come Elway a colpi di choker e loser, nonostante imprese tipo il ‘The Drive’ cotro i Browns, fenomeno che pur da lontanissimo e per sentitissimo dire (soltanto negli anni Novanta, grazie a Tele+, saremmo riusciti a vedere qualcosa in più di Super Bowl e highlights) riuscivamo a cogliere.

La nostra idea è che più di altri grandi Elway sia stato un simbolo anche fuori dal campo: famiglia perfetta (il divorzio sarebbe arrivato dopo il ritiro), nessun atteggiamento da superstar, amatissimo dai compagni, da Terrell Davis in giù. È più facile tifare per uno con qualche difetto (si parla di ciò che arriva al pubblico, non necessariamente della realtà), alla Maradona, che per Elway. Che noi abbiamo iniziato ad adorare proprio nel suo periodo da presunto perdente. Documentario degno di essere visto, senza rivelazioni ma con dettagli che spiegano molto. Su tutti lo sguardo della madre, non proprio l’occhio della Corazzata Potemkin anche se ugualmente espressivo, madre di Elway e moglie di un allenatore di college, con le ulteriori pressioni del caso. C’è una tristezza di fondo, in tutto, che nessuna vittoria cancella.

stefano@indiscreto.net

I quattro episodi della docuserie Dynasty: i Murdoch, uscita il 13 marzo e appena vista su Netflix, aggiungono poco alle notizie che tutti leggiamo sui vari scazzi familiari e aziendali riguardanti questo impero mediatico, ma sono lo stesso molto avvincenti. Perché mostrano che a un certo punto Succession ha smesso di ispirarsi alle vicende dei Murdoch, innescando un meccanismo opposto e cioè quello che ha visto i vari membri della famiglia comportarsi come i personaggi della bellissima serie HBO che loro stessi, soprattutto Elisabeth, ammettono di seguire.

Personaggi che poi sono archetipi-stereotipi, a partire dal patriarca autoritario: Rupert Murdoch è Logan Roy, manipolatore e soprattutto incapace di cedere davvero il potere (anche adesso che ha 95 anni…), che usa l’eredità per tenere i figli in perenne competizione. Per lui comunque nessuno è mai pronto. C’è poi l’erede designato: Lachlan Murdoch è il chiaro corrispettivo di Kendall Roy, il figlio che da sempre Murdoch ha scelto come successore principale ma spesso trattato peggio dei suoi fratelli.

Il ribelle o pseudo-tale è James Murdoch, cioè Roman Roy, quello che tenta spesso di prendere una strada indipendente ma fallisce per incostanza e anche quando ha successo poi torna dal padre, sperando nella sua approvazione e di avere sopravanzato Lachlan nel gradimento. La figlia ambiziosa che non vuole stare a casa a godersi i soldi è Elisabeth Murdoch, cioè Shiv Roy. La più intelligente di tutti i fratelli, cosa che nota anche il padre che però non ritiene una donna adatta a prendere il comando. Quanto a Prudence, la figlia più vecchia, nata dal primo matrimonio, in Succession c’è la licenza poetica di farla diventare maschio, lo svagato Connor: conta poco, se non come ruota di scorta quando c’è da votare.

Tornando alla docuserie, c’erano diverse cose che comunque non sapevamo. Fra queste il fatto che Murdoch a sua volta sia nato in un contesto di ricchezza notevolissima (si sapeva che suo padre fosse un piccolo editore, ma nulla di più), fra maggiordomi e tutti il resto: inomma, con un’educazione abbastanza simile a quella ricevuta dai suoi figli. Il suo cinismo e la sua cattiveria, cattiveria agonistica si intende, sono quindi innati. Così come il suo essere fieramente conservatore è il comportamento opposto a quello di tanti figli di papà, compresi i suoi (tranne Lachlan, che forse però lo vuole compiacere), con grande godimento nel sentirsi contro l’establishment politico, culturale e mediatico e nel ricordarlo sempre, con la FOX e con i giornali. Interessante anche il suo rapporto con Trump, prima avversato preferendogli repubblicani classici e poi cavalcato anche per il pubblico in buona parte sovrapponibile.

Molto bella la parte su Rebekah Brooks e sulla chiusura del News of the World, per noi dall’esterno rimasta inspiegabile (in fondo i tanti danneggiati erano stati già ampiamente risarciti) ma in linea con il cinismo murdochiano: la valutazione fu che il danno di immagine per il gruppo fosse più grave dei soldi generati dallo storico settimanale popolare da quasi 3 milioni di copie a numero. Uno di quei ‘tabloid inglesi'. per usare il giornalistese italiano, le cui notizie, sì, notizie (raccolte in mille modi, non sempre illegali), venivano e vengono copiate dai media degli altri paesi. Il ‘Thank you & Goodbye’ dell’ultimo numero rimane il titolo perfetto.

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Poche serie televisive hanno saputo trattare l’attualità come The Good Fight, che fuori tempo massimo abbiamo appena finito di vedere su Sky. Serie criticatissima da destra per il suo wokismo spinto, e del resto è ambientata in uno studio legale con avvocati al 90% neri e al 99% democratici, con discreta percentuale di lesbiche, ma secondo noi trumpiani della periferia ovest (anche se qui in centro ci mascheriamo da liberal alle vongole, mettendo a volume alto La 7 mentre guardiamo la Incardona su DAZN) questo spin-off di The Good Wife è molto più sottile di come sembri nelle prime puntate, perché il pregiudizio democratico e antitrumpiano è portato a un livello così estremo e ridicolo da contenere anche la propria autocritica.

Uscendo da queste considerazioni da Aldo Grasso della mutua (parentesi: ma come fa un critico televisivo ad andare ospite nelle trasmissioni di cui parla?), partiamo dalla protagonista principale creata da Michelle e Robert King, cioè Diane Lockhart (attrice Christine Baranski), sessantenne avvocata di successo di Chicago che poco dopo avere dato le dimissioni dal suo vecchio studio legale per godersi la vita in Europa, fra la Provenza e il Lago di Como (prima del progetto Hartono), scopre di essere stata truffata dal consulente finanziario e così non le rimane che mendicare un posto in uno studio afroamericano specializzato in violenze dei poliziotti, che la serie rappresenta come tanti Cinturrino. Altra parentesi: perché in Italia non si riesce a fare una serie su Cinturrino? Le repliche di Montalbano, ma noi troviamo terribili anche gli originali, hanno stancato.

Uno degli aspetti interessanti della vita di Diane è il marito Kurt, trumpiano moderato, che ovviamente scatena il nostro tifo al pari di Julius Cain, l’unico nero dello studio che abbia il coraggio di dichiarare il suo voto repubblicano. Ma la forza di The Good Fight risiede anche nella caratterizzazione dei personaggi, idealisti o concreti a seconda della circostanze (super Maia Rindell, ma anche Carmen Moyo). Le storie iniziano con l’inizio della prima presidenza Trump e arrivano a metà del quadriennio di Biden, mescolando attualità e satira: il tribunale privato del giudice Wackner è una trovata strepitosa, anche se il nostro personaggio preferito, purtroppo sfruttato poco, è Felix Staples, l’attivista alt-right gay ammiratore e inzigatore di Diane.

Impossibile riassumere tutti i casi trattati dallo studio Reddick, Boseman & Lockhart, e nemmeno lo vogliamo fare, limitandoci ad un elenco di temi: le teorie del complotto da destra, l’ipocrisia liberal, il razzismo dell’antirazzismo, la fragilità del sistema giudiziario, il sessismo e la scarsa solidarietà femminile, la disinformazione come strumento di lavoro quotidiano. Tutto trattato da una prospettiva di sinistra, ripetiamo, ma così ancorato all’attualità da non riuscire a staccarsene per tutti i 60 episodi lungo le 6 stagioni.

Non ce ne sarà una settima, anche se la Paramount l’avrebbe voluta, perché le storie erano quasi tutte concluse e perché i King, abbiamo letto, stanno scrivendo una serie ambientata nella Silicon Valley. Le stagioni già girate non hanno comunque perso di attualità, anzi impressionano per la preveggenza. Ci sentiamo di consigliarle anche a chi come noi non ne può più di fiction su avvocati che non perdono mai una causa, neri (scriviamo in linguaggio 2026) lamentosi, violenze della polizia quasi sempre bianca o latina, donne insoddisfatte. A molti è sembrato così anche The Good Fight, a noi no.

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Abbiamo da poco iniziato a vedere Portobello, la serie di HBO Max su Enzo Tortora e sull’atroce errore giudiziario che gli stroncò la carriera e di fatto anche la vita, con i magistrati impuniti nel senso più ampio dell’espressione, per non parlare dei tanti accusatori in malafede. La recensione quando l’avremo finita, la serie, ma subito un flash personale su un aspetto della vicenda che avevamo rimosso e che non viene quasi mai ricordato: Portobello, che andava in onda il venerdì sera su quella che allora (gli anni sono quelli dal 1977 al 1983) si chiamava Rete 2, era una trasmissione orrenda, che in embrione conteneva diversi filoni che nei decenni successivi avrebbero avuto un successo enorme. Proprio per questo, forse, era una trasmissione orrenda.

Non a caso il successo di pubblico fu eccezionale, anche con l’asterisco della poca scelta televisiva dell’epoca, per il programma che segnò il ritorno di Tortora in RAI dopo otto anni di esilio a causa di un’intervista in cui aveva criticato i dirigenti dell’azienda. Ed era stato il secondo esilio, dopo quello dovuto all’imitazione che Alighiero Noschese aveva fatto di Fanfani (siamo lettissimi nelle RSA, lo sappiamo). Un uomo libero, Tortora, che proprio per questo era antipatico a diversi colleghi appecoronati e anche a molti giornalisti, che non perdonavano il successo raggiunto da uno di loro. Eccezioni positive giganti come Biagi, Bocca, Montanelli e anche il Feltri cronista, che fin da subito si chiesero come fosse possibile credere alle storie piene di incongruenze raccontate da camorristi e mitomani.

L’idea di base di Portobello era quella di un mercato, in cui si vendeva e si cercava un po’ di tutto. Un piazza alla Guardì, un punto di incontro e scambio credibile per una società pre-Internet. Le singole rubriche erano, come tutti sanno, le antenate dirette di tante trasmissioni di oggi. a dire il vero più Mediaset che RAI: il Mercatino, Fiori d’arancio, Dove sei?, eccetera. Grande popolarità avevano gli inventori, persone di provincia fuori dagli schemi che venivano a proporre la loro ossessione e farsi prendere per il culo. Icone assolute erano il pappagallo, appunto Portobello, che si cercava in tutti i modi di far parlare, e dal nostro punto di vista le telefoniste coordinate da Renée Longarini: fra queste le giovanissime Paola Ferrari, Susanna Messaggio e Eleonora Brigliadori.

Insomma, una trasmissione che avrebbe generato tantissime trasmissioni (e infatti Tortora era un genio, una macchina da format, anche per quello che fece nelle prime televisioni locali), ma che ci intristiva nel suo tempo e quindi ci intristisce anche ricordandola nel 2026. L’Italia di De Martino e della De Filippi, per non fare un torto ad alcuna azienda, ma molto più ingenua e senza filtri. Tortora fu uno dei primi, con Corrado, a farla emergere a livello nazionale, con un cinismo secondo noi figlio anche del modo ingiusto in cui era stato trattato dalla RAI quando era apice del successo, fra la Domenica Sportiva e tutto il resto. Come tanti programmi stracitati da chi li ha mai visti, Portobello era secondo noi inguardabile. Ma a differenza del 99% di ciò che si rimpiange era anche molto adatto al gusto di oggi, pieno di personaggi e situazioni adattissimi a diventare virali. Tortora un gigante, anche per il modo in cui avrebbe rinunciato ai privilegi da parlamentare: l’Italia di Portobello non lo meritava.

stefano@indiscreto.net

Per prepararci alle Olimpiadi abbiamo ieri notte visto su Netflix un documentario appena uscito, Miracle: la grande sfida a hockey, che ci sentiamo di consigliare anche a chi non ne può più di sentir rievocare quell’USA-URSS di Lake Placid 1980, quasi in stile Italia-Brasile 3-2. Qui il risultato fu un 4-3, con il gol della vittoria segnato da Mike Eruzione, noto da noi anche per essere il cognato di Chinaglia (Long John, ai tempi margheritoneggiante ai Cosmos, era sposato con sua sorella Connie), nella prima partita del girone che assegnava le medaglie.

La peculiarità di questo documentario, con un titolo italiano orrendo (Miracle: The Boys of ‘80 l’originale), rispetto ai tantissimi altri e anche ai due film stravisti, Miracle on ice (con Karl Malden nei panni di Herb Brooks), girato a caldo per la tv, e il più recente Miracle (protagonista Kurt Russell), è quella di mettere insieme 45 anni dopo quasi tutti i viventi di quella squadra e farli parlare del loro privato, di cosa significassero le Olimpiadi per loro e per i genitori che in molti avevano perso prematuramente. Forse non una coincidenza, venendo in gran parte da famiglie operaie con casa vicino alle fabbriche.

Una squadra giovane, tutta di giocatori universitari e in pochi casi di minors, per quasi metà (9 su 20) già allenati da Brooks a Minnesota, contro i sovietici di Tikhonov dilettanti soltanto per il CIO e pieni di fuoriclasse affermati, dal portiere Tretiak al leggendario Mikhailov, più altri che lo sarebbero diventati come Fetisov, Krutov e Makarov. Tutti giocatori che gli americani ammiravano tantissimo ed infatti nei loro ricordi non c’è la russofobia che ci sarebbe stata in un compitino giornalistico, di ieri e di oggi. Se l’URSS era politicamente il simbolo del male, e con Reagan lo sarebbe diventata ancora di più, il suo hockey era soltanto da adorare. Meno amato, e dai suoi giocatori letteralmente odiato, era Tikhonov che fuori tempo massimo si sarebbe pentito per la famosa sostituzione di Tretiak ('Chi ha sbagliato? Pagliuca?).

Ma al di là della partita che avrebbe lanciato gli USA verso l’oro (l’avrebbero perso se non avessero poi battuto la Finlandia nell’altra partita), a fare la differenza fu il contesto da Guerra Fredda, con Carter che aveva già fatto capire che gli americani non sarebbero andati l’estate seguente alle Olimpiadi di Mosca, come sanzione (sbagliata) per l’invasione dell’Afghanistan, e che fu funzionale alla riscoperta di un patriottismo messo a dura prova dal Vietnam. Da qui le bandiere e lo ‘U.S.A.! U.S.A.!) scandito in tribuna. Se i nostri anni Ottanta sono iniziati con Paolo Rossi in Spagna, i loro sono iniziati con il “Do you believe in miracles?” di Al Michaels. Contro avversari ammirati e per i quali un po’ ci dispiaceva.

stefano@indiscreto.net

Chi ha già seguito l’ultima puntata di Falsissimo (in meno di 18 ore 2,3 milioni di visualizzazioni su YouTube) non ha bisogno della nostra recensione, che comunque infliggiamo lo stesso. Recensione che in estrema sintesi è la seguente: la strategia dei legali di Mediaset per silenziare gli account social di Corona non ha sortito alcun effetto, con il risultato che adesso Falsissimo è conosciuto anche da chi ha poca dimestichezza con i social network e che l’ultima performance di Corona. basata su notizie e situazioni già note (non soltanto a lui), è stata vista e commentata da tutti. Tranne che ovviamente dai media mainstream e dagli ascari a cui vanno le briciole.

Di nuovo Corona ha aggiunto battute sui gusti sessuali di Piersilvio e sottratto quasi totalmente riferimenti a Signorini. Insomma, una puntata leggera ma non troppo. scherzando su un possibile contatto con Trump, puntata che si è aperta con un parallelo fra l’editto bulgaro di Berlusconi padre (quello contro Biagi, Santoro e Luttazzi) e la strategia della Mediaset attuale, passando per altre situazioni silenziate, tipo quella della D’Urso, senza che gli indignati speciali di ogni parte politica insorgessero: ma vi pare possibile che in Italia, non si dice in Iran, un film di successo possa essere tolto dal mercato? La storia di Loro è quasi incredibile, anche se l’uomo di mondo Sorrentino non ci sembra abbia mai protestato troppo. Pesanti anche le cose che dice un Claudio Lippi malato ma non smemorato.

Questa battaglia suicida, che magari ammazzerà (mediaticamente e finanziariamente) Corona, rimarrà per Mediaset suicida perché nel 2026 nessuno può bloccare la comunicazione, per lo meno non in Italia. C’è diffamazione? Bene, una bella causa per diffamazione. Da sottolineare che Mediaset non ha utilizzato soltanto gli avvocati, come è normale, ma anche i suoi tanti fiancheggiatori mediatici, molti forse casualmente gay, pungenti a senso unico (contro le trasmissioni RAI, di solito), affamati di consulenze e ospitate. Imbarazzante anche Dagospia, pensando a come trattava i pettegolezzi riguardanti il Berlusconi vero.

Concludendo? Il punto d’arrivo di Corona, che fra l’altro deve moltissimo del suo successo a personaggi Mediaset, è raccontare attraverso episodi concreti un sistema politico e mediatico, con il suo gioco di ricatti incrociati che spiega carriere, linee editoriali e soprattutto censure, con influenza diretta su idee e immaginario degli italiani. In questo senso ha fatto più lui con qualche video rispetto a decenni di Repubblica, PD, Rai Tre e attori impegnati.

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Abbiamo scoperto di non essere gli unici ad avere visto in piccoli pezzi la quinta e ultima stagione di Stranger Things, peraltro già divisa in tre parti, con l’ultima puntata a Capodanno, dalla stessa Netflix. Lo abbiamo fatto non per mancanza di tempo ma perché nonostante tutte le cose in arretrato da vedere ci dispiaceva rimanere senza Stranger Things, che quindi abbiamo centellinato, nell’ultimo mese appuntamento fisso dopo aver seguito gli highlights di qualsiasi cosa. La liberazione dalle partite regala una vita supplementare, come nei videogiochi.

Se c’è sempre un Simenon che non hai letto, diceva qualcuno che non ricordiamo e che non abbiamo trovato su Google (non è comunque nostra), per le serie televisive funziona diversamente. Quelle ambiziose con il passare delle stagioni costano troppo e quelle con protagonisti giovani devono arrendersi all’età degli attori, prima che alla crisi creativa dei Duffer Brothers della situazione. Credibili come dodicenni nel 2016, quando Stranger Things è iniziato, per quanto alcuni già fuori età, i vari Undici, Mike, Dustin, Lucas e Will nel 2025 lo sono stati a malapena come diciottenni (la storia va dal 1983 al 1989). E in ogni caso tutto era già stato detto, la lotta contro le creature del Sottosopra poteva essere portata avanti soltanto da adolescenti.

Va detto che i riferimenti, anche quelli datati come Stephen King o Lovecraft, sono di gusto modernissimo, senza contare che ogni episodio sembra girato da imitatori di Spielberg, tenendo quindi insieme il citazionismo e il mainstream. Una serie ipnotica, che piace più ai giovani di oggi che a quelli di ieri (a dispetto dell’ambientazione anni Ottanta), una serie che va per accumulo con situazioni sempre più incasinate, ma con un’anima che colpisce più generazioni. Confessiamo di avere pianto, in una delle scene finali.

Si paga volentieri la tassa all’ufficio marketing, che avrebbe potuto tranquillamente cofirmare la sceneggiatura: dalla composizione razziale a quella sessuale, dal giustificazionismo alla fragilità, fino all’assurdo di descrivere un Male senza cattivi (facile prendersela con i demogorgoni) come a suggerire che ‘noi’ in fondo siamo tutti buoni. Ma chi siamo noi? Cattivi giocatori di Dungeons & Dragons. Non vedremo mai più Stranger Things, perché i film si possono guardare 100 volte e le serie solo una, ma bisogna ammettere che è un’opera straordinaria, di quelle che gli americani sanno fare.

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Partiamo dalla recensione da Aldo Grasso della mutua: Io sono notizia sembra in molte parti quasi una brutta copia di Falsissimo, quindi lo one man show di Fabrizio Corona con l’aggiunta di velleità da massmediologi frustrati. Questo non toglie che i cinque episodi della docuserie di Netflix, in Italia un successo straordinario a conferma della svolta local-pop della piattaforma, li abbiamo guardati agilmente e che ci abbiano anche colpito, soprattutto nelle interviste a Nina Moric e alla madre di Corona, Gabriella, entrambe lucidissime nell’analisi del fenomeno Corona anche se con toni diversi: più arrabbiati quelli dell’ex modella, più amari quelli della madre. Interessanti ma già sentite le parole di Lele Mora in vestaglia (il nostro primo ricordo personale di Corona dal vivo è proprio di lui e Mora, spiaggiati su una specie di trono al defunto Casablanca), noiose le parti con Enrico Dal Buono e decisamente inspiegabili quelle con Matteo Chigorno: la società contemporanea spiegata da uno che ha ammazzato e fatto a pezzi un uomo.

Detto questo, del racconto di Corona è notevole la descrizione di un mondo mediatico ben diverso da quello di oggi, anche se si stava parlando della Milano di Vieri e della Canalis, la Milano in cui Erminio Ottone stazionava ai confini del privé, storia di vent’anni fa ma quasi di oggi. Con giornali che pagavano decine di migliaia di euro foto e servizi esclusivi, che finanziavano appostamenti di settimane, che facevano e disfacevano carriere, che dettavano l’agenda alla televisione e anche a un web dove ancora i VIP, con i social network agli albori, avevano bisogno di usare i giornalisti e di farsi usare. La Milano di Costantino e Daniele, che paragonata a quella di oggi ci sembra quasi da rimpiangere (asterisco: abbiamo nostalgia di tutto). In ogni caso Corona, uno dei suoi principali beneficiati, alla crisi del giornalismo ha risposto nel modo migliore: diventando lui stesso personaggio, ma questa volta personaggio indipendente, non più cavalier servente della Moric, di Belen e di Mora.

La parte più interessante è per noi stata quella sugli anni della formazione, nella Milano da bere in cui suo padre Vittorio, direttore di riviste come Moda e King (chi se le ricorda? Le leggevamo anche), era fra i giornalisti più corteggiati dagli stilisti e da un certo tipo di jet-set. Vittorio Corona, in seguito vicedirettore di Fede a Studio Aperto, lo avremmo trovato qualche anno dopo alla Voce, dove eravamo l’ultima ruota del carro (ma guadagnavamo abbastanza da vivere bene da soli a Milano… certo erano 32 anni fa) e dove lui da vicedirettore riusciva a convincere Montanelli a fare quelle prime pagine terribili, con fotomontaggi scaccia-pubblico, che contribuirono ad affossare un quotidiano che ci è rimasto nel cuore, avantissimo come filosofia (la gente conosce già le notizie, diamole per scontate e andiamo oltre) ma sbagliatissimo politicamente, di destra e al tempo stesso antiberlusconiano. Facile la psicoanalisi da bar, ma per noi Fabrizio è stato un giornalista più bravo di Vittorio. Solo che, come molti ragazzi di buona famiglia, per non parlare di quelli di cattiva, è attratto dall’immagine del duro e del delinquente: il suo problema è stato questo, a parte Trezeguet.

Da martedì, cioè dal suo primo giorno di operatività italiana, siamo abbonati a HBO Max. Ennesima sfida alla stracitata Choice Paralysis, o Netflix Paralysis, situazione che nell’era dello streaming ci mette sempre a dura prova, al punto che il datato Springsteen di 57 Channels (And Nothin’ On) fa quasi tenerezza. Secondo uno studio Nielsen il tempo medio che si passa con la app aperta, prima di iniziare a guardare qualcosa, è di 10 minuti, e più del 20% degli utenti dopo avere aperto la app non guarda proprio niente. Detto questo, HBO Max è piena di serie molto interessanti, che a prima vista faranno felici chi le ha apprezzate su Sky e adesso non potrà più vederle lì. Per non parlare di quelle nuove, tipo Portobello.

Ma restringendo il discorso al nostro orticello, cioè lo sport, cosa c’è su HBO Max che non possiamo trovare su Sky Sport? Facile la risposta: i canali Eurosport, che però può vedere chi ha DAZN, ma soprattutto Australian Open e Roland Garros completi, ogni partita anche delle qualificazioni. Poi tutti gli sport invernali in forma integrale, a partire dalle imminenti Olimpiadi di Milano-Cortina, highlights, eccetera, il grande ciclismo (che però in forma ridotta si vede anche in chiaro), inoltre tante nicchie. Nella sostanza questi 3 euro in più (rispetto ai 5,99 dell’abbonamento base con pubblicità) al mese li spenderemo fondamentalmente per tennis e Olimpiadi, pur coscienti che il cuore di HBO Max siano le serie e i film.

Veniamo al punto, il nostro solito punto: il pubblico. Quanti abbonati può valere HBO Max in Italia? Scontato partire dai dati della concorrenza, basati su dichiarazioni e stime perché il numero reale degli abbonati è spesso considerato alla stregua del quarto o quinto segreto di Fatima. Fra i panel JustWatch e Sensemakers, le stime di chi investe in pubblicità e gli articoli di Italia Oggi (in gran parte scritti da Claudio Plazzotta, se Indiscreto generasse soldi gli farebbe offerte tipo Qatar), si può affermare con mille asterischi che Netflix abbia da noi 5,4 milioni di abbonati, Disney+ 2,1 (possiamo dire che ci sembra esagerato?), DAZN 1,8, Apple TV 0,4… Difficile valutare Prime Video: quanti degli 11 milioni di utenti sarebbero abbonati senza l’e-commerce? Pochi. E poi ad Amazon importa solo di essere indispensabile, non di fare l’editore: anche HBO Max, per dire, sarà acquistabile come abbonamento aggiuntivo di Prime Video.

E Sky? Nella sua globalità vale sui 4,1 milioni di abbonati, ma la parte streaming (cioè NOW) conta per 1,3. Ci sembra evidente che il primo concorrente di HBO Max sarà Netflix, ma anche che il primo danneggiato, per il discorso sulle serie targate HBO, sarà Sky nella sua parte non sportiva. Discorsi che potrebbero venire presto spazzati via da Netflix, se davvero riuscirà a comprare la Warner Bros e quindi anche HBO. Detto questo, la giornata continua ad avere 24 ore e bisognerà fare delle scelte.

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Tutte le persone della nostra età, e molte di quelle più giovani, sono cresciute con il Grand Prix di Andrea de Adamich, imprescindibile appuntamento domenicale su Italia 1 che ci costringeva a fare acrobazie fra un pranzo con la testa già alle partite del pomeriggio, Superclassifica Show di Maurizio Seymandi su Canale 5 e appunto la trasmissione di automobilismo, quasi totalmente Formula 1, condotta dall’ex pilota di tante scuderie, fra cui anche la Ferrari (nel 1968, da terzo pilota dietro a Jacky Ickx e all’iconico Chris Amon), con una carriera di fatto finita per l’incidente a Silverstone 1973.

Non ce lo ricordiamo in diretta, ma le immagini le abbiamo viste tante volte: la McLaren di Sheckter che sbatte sul muretto alla fine del primo giro e finisce in mezzo al gruppo, coinvolgendo undici vetture fra cui la Brabham BT42 di De Adamich, quello a cui andrà peggio: sarà estratto dalla macchina sfasciata dopo un’ora, con fratture alle gambe e danni di ogni tipo. Non tornerà più su un’auto di Formula 1 (36 i gran premi in totale), un miracolo che sia tornato su un’auto normale per i suoi famosi corsi o anche soltanto per andare al supermercato.

Abituati a considerarlo un telecronista e conduttore televisivo, non ci siamo mai resi pienamente conto di come provenisse da una Formula 1 di eroi. Soltanto dopo la sua morte ci è venuta la curiosità di riguardare l’ordine d’arrivo di quel gran premio maledetto, uno dei tanti, che ebbe una nuova partenza, senza gli 11 ritirati e quindi con 18 vetture in pista. Vinse Peter Revson, che l’anno dopo sarebbe morto durante le prove private McLaren a Kyalami, davanti aalla Lotus di Ronnie Peterson, che sarebbe morto a Monza nel 1978, e al’altra McLaren, guidata da Denny Hulme, che sarebbe sopravvissuto alla Formula per trovare la morte nel 1992 in una competizione minore (non per incidente, ma per infarto).

Quinto François Cevert, morto pochi mesi dopo durante il Gran Premio degli Stati Uniti. Fra i ritirati invece Roger Williamson, su March, che poche settimane dopo sarebbe morto durante il Gran Premio d’Olanda a Zandvoort. Inutile ricordare quanto negli anni a seguire siano stati vicini alla morte Lauda, Regazzoni e gli altri. Alla fine a De Adamich è andata molto bene. E anche a noi che per decenni lo abbiamo ascoltato.

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Se fossimo davvero uomini liberi, o per lo meno uomini, in televisione guarderemmo soltanto pallacanestro di oggi e film degli anni Ottanta e Novanta. Però si vive di compromessi e ultimamente uno dei meno peggio è stato La fidanzata (fedele al titolo originale The Girlfriend), thriller psicologico in sei episodi, dal 10 settembre disponibile su Amazon Prime Video. A dirla tutta una delle poche cose nuove decenti che abbiamo trovato su Prime, che invece ci piace per evergreen e in generale roba vecchia (stiamo guardando per la novantesima volta Holly e Benji, per noi Tsubasa non esiste).

Protagonista e in parte anche regista è Robin Wright, con una trama basata su un romanzo che non abbiamo letto (anche se con l’AI bisognerebbe fingere di averlo fatto, tipo i giurati dei premi letterari) e che grezzamente potremmo ricondurre al Super Clasico suocera vs nuora. Per motivi di età la ormai cougarissima Wright fa la suocera, con la sua rivale interpretata da una splendente Olivia Cooke, già vista in più situazioni (la nostra preferita in Ready Player One) e supercredibile come inglese di estrazione popolare ma un po’ ripulita.

Laura, cioè Robin Wright, è una gallerista di successo, con un marito ricco e semifedele (la coppia è aperta) e un figlio medico, Daniel, con il quale ha un rapporto quasi morboso. Questo tran tran da alta società di Londra viene sconvolto quando Daniel presenta alla madre la nuova fidanzata, Cherry (appunto la Cooke), molto diversa dalle precedenti, che comunque non erano durate. All’inizio Cherry, con una infanzia drammatica e una discreta carriera come agente immobiliare, cerca di sembrare di estrazione almeno medio borghese, poi dopo un tremenda vacanza di famiglia in Spagna le bugie diventano insostenibili e la storia diventa anche drammatica.

Insomma, più che guardabile e adatto a chi conosce le dinamiche suocera-nuora, ben diverse dallo schema suocero-genero. Perché nel caso femminile l’antipatia è istintiva, totale, e solo l’intelligenza in certi casi rende possibile la convivenza (almeno al pranzo di Natale), mentre fra uomini pur essendoci il discorso del genere ‘la mia bambina’ si giudica caso per caso: è chiaro che un tipo tranquillo, magari con idee simili, e che non sembri un figazziere, venga preferito allo spacciatore maghrebino.

Di sicuro un tema eterno, anche con l’evoluzione della famiglia: fra coppie gay chi è l’antipatizzante della nuora? Dalla nostra trumpiana ma non jdvanciana o kirkiana (noi non crediamo in niente) periferia ovest solo risposte di grezze, ma non per questo sbagliate. Comunque nel genere rimane insuperabile Quel mostro di suocera, con Jane Fonda e Jennifer Lopez al top. Onore a Robin Wright, che da Forrest Gump a House of Cards ha attraversato la nostra vita con grande classe.

L’edizione 1985 del Festival di Sanremo fu probabilmente la più ottantiana del decennio. A cominciare dai vincitori, I Ricchi e Poveri, trasformatisi in terzetto qualche anno prima e rilanciati da quel Freddy Naggiar patron della Baby Records nonché promotore della italo disco dominatrice del periodo (Da Gazebo a Den Harrow), di progetti internazionali come i Rondò Veneziano e della compilation Mixage, nonché discografico di Al Bano e Romina Power trionfatori l’anno prima con Ci sarà. La vittoria del gruppo vocale genovese, da Sarà perché ti amo (1982) in poi particolarmente noto anche in Europa, non arrivò quindi così inaspettata (il brano, un decoroso pop, era Se mi innamoro), precedendo l’imberbe adolescente messicano Luis Miguel (14 anni, quasi 15, all'epoca e destinato a diventare una stella della musica latina, nonché per un certo tempo compagno di Mariah Carey) con la celebre Noi ragazzi di oggi, vero simbolo di quell’edizione, e una grande della canzone come Gigliola Cinquetti (Chiamalo amore), anch’essa in scuderia Baby Records.

La durata infinita delle serate, la conduzione sicura e decisa di Pippo Baudo (affiancato da Patty Brard), il palco dalla lunga scalinata, i voti tramite Totip e il full playback furono tra gli altri elementi da considerare tipicamente ‘ottantiani’ di una gara che vide all'ultimo posto le atmosfere new wave di Garbo (Cose veloci, parleremo prossimamente del suo nuovo album, successore di La moda), al penultimo Donne di Zucchero, sul palco in compagnia di Corrado Rustici e Randy Jackson e fresco di quel cambio di rotta che lo avrebbe poi portato a scalare le classifiche internazionali, e al terzultimo un'altra chicca: Faccia di cane dei New Trolls, bel ritmo (con lo zampino di Fabrizio De André al testo) di un gruppo capace di cambiare pelle adeguandosi ai tempi con qualità, senza vivere del proprio passato.

Ma sono tanti gli altri brani in gara al Festival della Canzone Italiana del 1985 degni di citazione e ci riesce difficile fare una nostra graduatoria: in ordine sparso Ritratto di Franco Simone (intervistato da noi qualche tempo fa), A lei (autore Roberto Vecchioni) di una Anna Oxa al top della sua ascesa vocale ed estetica vestita di tute aderenti che destarono per l’epoca ampio scalpore, e Souvenir dei Matia Bazar post rivoluzione Vacanze Romane (premio della critica, da lì a poco uscirà lo smash hit europeo Ti sento). E ancora, la conferma anche all’estero di Eros Ramazzotti con Una storia Importante (e vincitore l'anno successivo con Adesso tu) e Grande Joe del Banco (non più del Mutuo Soccorso), lontano dal progressive dopo la virata pop di inizio decennio. E le melodie di Marco Armani (Tu dimmi un cuore ce l'hai).

Ma è anche alle nuove proposte di quel Sanremo (vinse Cinzia Corrado, con Niente di più) che siamo particolarmente legati, e in particolare alla delicata Firenze piccoli particolari (autore della musica Amedeo Minghi e usata anche come sigla di una telenovela) di Laura Landi, alla splendida Occhi Neri (firmata Ron) di Marco Rancati, passando per il pop di Luna Nuova (Silvia Conti) e la trascinante Volti nella noia degli Champagne Molotov (la band di Enrico Ruggeri). Tra i nostri inni di di quattordicenni c’era infine Saranno i giovani (scritta con Mimmo Locasciulli, in gara tra i Big con Buona Fortuna) interpretata da Roberto Kunstler, autore ritornato in auge per le collaborazioni con Sergio Cammariere. Quasi una sorta di ‘risposta’ a Noi ragazzi di oggi.

Il premio della critica quell’anno andò a Mango, in attività da una decina di anni, ma fresco del cambio di passo imposto con Oro. La canzone si intitolava Il viaggio, notevole electro-pop di quelli che oggi non si sentono più per l’artista lucano scomparso da poco. In definitiva un bel Festival, di musica da ascoltare, quello del 1985. Quando di dischi se ne vendevano ancora tanti e la domenica c’era ancora Discoring.

Paolo Morati

Anche nell’agosto 2025, per non dire il Ferragosto 2025, l'ennesima visione, scegliete voi la piattaforma, di Acapulco, prima spiaggia... a sinistra è obbligatoria, anche per il memorabile finale a casa di Gegia, con la convocazione dell'amica sarda (Bonaria Puddu, come tutti sanno), il giorno di Ferragosto. Abbiamo anche il dvd, trovato in un cestone al Fini di Modena, al di là del fatto che non vediamo un dvd da almeno dieci anni e che il supporto sembri più superato del VHS o del Betamax...

Come per tanti altri film comici degli anni Ottanta, questo è stato girato nel 1982 per uscire l'anno dopo, che conosciamo a memoria non c'è nostalgia né rivalutazione snob. Ma puro divertimento sì, calandoci nello spirito del tempo grazie a Gigi e Andrea ispiratissimi e diretti da un regista che passava per mestierante, anche perché lo era, ma che da loro ha sempre tirato fuori il massimo: L'allenatore nel pallone, Mezzo destro mezzo sinistro, Doppio misto...

Disoccupati bolognesi con il mito della vacanza esotica e della straniera che te la dà, Gigi e Andrea fatti due conti sono costretti a ripiegare sulla pensione Celso di Cesenatico, gestita dalla zia di Gigi, e molto simile a tante soluzioni low cost che tutti abbiamo subìto per poter dire ‘siamo andati via’. Come per tanti film dell'epoca, chi è giovane si stupirà per il linguaggio greve (l'estetista Gegia viene definita "Terrona puzzolente") e per l'assoluta mancanza di trama: una successione di gag, alcune pessime ed altre leggendarie, che rendono Acapulco carne da YouTube come pochi altri film.

Come al solito non raccontiamo un'opera celeberrima, adesso poi con l’AI mettersi a fare i riassunti è da dementi, ma ci limitiamo a elencare i nostri personalissimi momenti di culto. Le presenze di una Serena Grandi non ancora emersa, maschera nel cinema porno dove la madre di Andrea fa la cassiera, e di Simona Marchini (forse all'epoca ancora sposata con Ciccio Cordova, non ce lo ricordiamo) turista alla ricerca di romanticismo. La corsetta balzellando sulla spiaggia con gli slip imbottiti, un po' alla Margheritoni. I continui acquisti di fiammiferi Minerva per conquistare la tabaccaia Mirella Banti.

Quando Andrea rimane intrappolato nella sedia e viene picchiato da Diomede, marito della milf veneta che sta tampinando (stupendo il figlio), e al suo arrivo pronuncia il leggendario "Dio... mede!". Il modo in cui tentano di risparmiare ("Mangio alla francese, il primo lasciamolo ai maiali") al ristorantaccio, I 12 apostoli, in cui Jimmy il Fenomeno è il cameriere, dove portano due ragazze che li credono ricchi (una è Anna Kanakis). Si rivede tutto volentieri e senza doppi livelli di lettura felliniani, dai vitelloni alla tabaccaia. Siamo ovviamente lontani dalla Serie A in cui giocavano i Vanzina, ma noi abbiamo apprezzato sia Baggio sia Maiellaro. Certo Maiellaro non ha la narrazione.

stefano@indiscreto.net

Da qualche giorno siamo orfani di Squid Game, visto che con la terza stagione Netflix ha chiuso a fine giugno una serie di straordinario successo in tutto il mondo. Non spoileriamo il finale, magari possiamo parlarne nei commenti qui sotto (con l’avvertenza di non leggerli, per chi non avesse ancora visto), ma possiamo dire che le situazioni sono sempre molto forti e tutte riconducibili al conflitto fra disperazione, visto che quasi tutti i concorrenti sono lì nell’isola per pagare i debiti, e speranza. O, se vogliamo, fra egoistico istinto di sopravvivenza e umanità, come Gi-Hun, il concorrente 456, dice nel finale.

Una terza stagione che ci è piaciuta meno delle altre (la prima era stata la più vista nella storia di Netflix), con Hwang Dong-hyuk che ha alternato colpi di genio (la bambina che diventa concorrente su tutti), momenti fortissimi (la madre che uccide il figlio), momenti noiosi (alla fine anche la caccia di Jun-ho lo è, tutto questo casino per nemmeno chiarirsi con il fratello) e vuoti di sceneggiatura, con diverse sottostorie poco sviluppate o poco credibili.

Non avendo capito cosa volesse in definitiva Gi-hun, come pensasse di smantellare l’organizzazione facendo di nuovo il concorrente, i nostri personaggi preferiti sono stati le ragazze combattenti: da Cho Hyun-ju, trans e militare nei reparti speciali sudcoreani, alla guardia nordcoreana No-eul, che ha forse la storia più interessante di tutte, senza dimenticare lo spirito di sacrificio di Jun-hee. A parità di sollecitazioni e opportunità le donne risultano meno merde e meno cattive degli uomini: un po’ è fiction, un po’ è realtà.

Ci sarà una quarta stagione di Squid Game? Tutti quelli coinvolti nella produzione dicono di no, ma il cameo di Cate Blanchett, come reclutatrice, negli Stati Uniti fa pensare che Squid Game possa traferirsi in quell’Occidente da cui vengono i VIP mascherinati tipo Eyes Wide Shut che sono la metafora di tutti noi che sul divano ci ingozziamo di Cipster e San Carlo 1936 guardando sconosciuti che si battono per conto nostro. Di sicuro una serie che ci ha lasciato dentro qualcosa, diversamente dal 99% delle altre, anche di quelle che ci sono piaciute.

È un periodo in cui stiamo guardando soltanto fiction con protagonista Nicole Kidman, nel tempo estivo liberato dal calcio e dal down post Wimbledon: al di là delle scommesse, chi se ne frega di Darderi? The perfect couple, The undoing, fra poco Big little lies, senza il coraggio di confessare a noi stessi che l’attrice australiana nostra coetanea, da noi amata fin da Giorni di tuono, più che a Tom Cruise ci fa pensare a una delle più citate, con mille versioni apocrife, storie di Franco Rossi.

Ma non divaghiamo, anzi evitiamo anche di recensire questa serie in sei episodi che abbiamo visto su Netflix, basata su intrighi, segreti di famiglia e anche un omicidio sullo sfondo di un matrimonio sfarzoso a Nantucket. Chiedete a ChatGPT. Noi andiamo direttamente alla domanda che ci facciamo per ogni cosa: a chi si rivolge The Perfect Couple? Non proprio un giallo classico, visto l’evidente grottesco di molte situazioni e di alcuni personaggi, ad esempio imbarazzante quello di Isabelle Adjani.

Al di là dei fan della Kidman, questa serie è del genere ormai codificato “Rich People Problems”, basato su una scelta di marketing precisa e onesta: a nessuno spettatore piace guardare i poveri, specialmente agli spettatori poveri. Un atteggiamento comune alle generazioni, visto che il pubblico di Beverly Hills 90210 non era troppo diverso da quello di Gossip Girl o di Élite. Insomma, chi segue le amichevoli estive o Calciomercato - L’originale può guardare anche The Perfect Couple.