Comincia il Festival di Sanremo (anzi, della Canzone Italiana) numero 76 e come da tradizione parliamo prima del passato. Non è nemmeno detto che poi si parli del presente… E ovviamente per noi passato significa anni Ottanta. Quella del 1986 fu un’edizione importante, un po’ come tutte quelle del nostro decennio, per vari motivi a cominciare dall’esclusione del playback con ritorno della voce dal vivo su base registrata (per l’orchestra bisognerà aspettare il 1990). A presentare una bravissima Loretta Goggi, che si era inserita nell’era Baudo.

A vincere grazie ai voti tramite schedina del Totip, su un palco rigorosamente in stile discoteca, la futura star internazionale Eros Ramazzotti con Adesso tu. Bella canzone, generazionale il giusto (“E ci si trova sempre più soli a questa età non sai… non sai”), coinvolgente tanto da diventare un classico. Secondo posto per un Renzo Arbore al culmine del successo televisivo con Quelli della notte (l’anno prima), che tira fuori un divertissement garbato, pieno di doppi sensi (un clarinetto che sping… si butta un po’ giù… tra una chitarrina… per fare qualche swing), con inevitabile ovazione del pubblico. Terza Marcella Bella, con Senza un briciolo di testa, canzone notturna di stile, non facile al primo ascolto e da interpretare.

Detto del notevole podio (incredibilmente soltanto quarto Toto Cutugno con Azzurra Malinconia), il Sanremo del 1986 presenta diverse canzoni che per varie ragioni hanno fatto storia. Si parte da Lei verrà di Mango, brano moderno, dall’arrangiamento tosto ed elettronico per un artista atipico, unico ed estremamente originale nel panorama italiano non solamente dal punto di vista vocale. Quindi Rien ne va plus di Enrico Ruggeri, premio della critica per una sopraffina pagina di letteratura musicale (“L’amore occupa i capillari molto lento mediando la ragione con un nuovo sentimento”) come il cantautore milanese è più volte stato capace di scrivere, e la ritmata Canzone Triste di Zucchero (penultimo, che regala anche Fatti miei a Fiordaliso), ancora con il cappellino in testa e poco prima del grande balzo nei favori del pubblico italiano (e non solo). E poi Brividi di Rossana Casale, Via Margutta di Luca Barbarossa, Uno sull’altro di Marco Armani, Amore Stella di Rettore… difficile scegliere, anche con il senno di poi.

Notevole attenzione anche ai look in quella stagione – con i Righeira di Innamoratissimo ancora nel loro periodo di grande successo – e vincitrice su questo fronte una splendente Anna Oxa che intonando senza apparente fatica È tutto un attimo indossa con nonchalance una mise nera con cappuccio. Artista completa la Oxa, lo stesso si può dire di Loredana Bertè che sorprende tutti con il criticatissimo ed originale pancione, rockeggiando sulle note di Re scritta dai fratelli Mango.

Il titolo di inno del 1986 è però senz’altro da assegnare a No east no west di Scialpi, coreografico con il giusto eccesso, testo evocativo, e una intro che varrebbe migliaia se non milioni di suonerie odierne. Doverosa citazione anche per Verso il 2000 di Flavia Fortunato, emozionante il giusto nella sua storia generazionale. Canzone da rivalutare la sua, così come nella memoria entra di diritto Vai di Nino d’Angelo, allora ancora con il suo caschetto biondo e con un successo clamoroso di pubblico, prima della svolta intellettuale e dello sdoganamento. Sempre sul pezzo gli Stadio con Canzoni alla radio mentre piuttosto malinconica la Canzone Italiana di Sergio Endrigo, eccellente autore e cantante che andrebbe ricordato più spesso.

Tra i giovani trionfa la straordinaria Lena Biolcati con Grande grande amore, nella stessa edizione dell’esordio di Aleandro Baldi (E la nave va, secondo davanti a E le rondini sfioravano il grano di Giampiero Artegiani (nel 2015 intervistato da Indiscreto) e Paola Turci (L’uomo di ieri, firmata Mario Castelnuovo. Tra tutti, per noi, c’è però un brano realmente incompreso: Futuro di Orietta Berti. Tema pacifista, presentato in sobrio abito da sera sullo stesso palco dove si esibisce il modernissimo Sting con Russians. A parti invertite l’accoglienza sarebbe stata diversa?

Paolo Morati

Sandro Giacobbe è una delle chiavi di ricerca più gettonate su Indiscreto. Cosa che ci rende orgogliosi, considerandolo uno dei grandi della musica melodica italiana, anche se per le ormai ben note ragioni anagrafiche abbiamo iniziato ad apprezzarlo solo dai tempi di Notte senza di te del 1980 e soprattutto di Sarà la nostalgia, brano cult del 1982. Ricordando anche un altro suo motivo che ci è sempre piaciuto particolarmente, ossia Primavera, presentato al Festival di Sanremo del 1983. Cantautore nel più vero e puro senso della parola, di chi scrive le canzoni che canta, l’artista genovese ha avuto in realtà i suoi primi successi nel decennio precedente, soprattutto grazie a brani come Signora mia, Il giardino proibito e Gli occhi di tua madre.

Oltre che musicista Giacobbe - fresco del nuovo album Insieme noi - è però anche uno sportivo, avendo ricoperto per diverse stagioni il ruolo di difensore della Nazionale Cantanti - della quale è tra i fondatori - per poi diventarne allenatore. Selezione, quella delle ‘ugole’ italiane, che ha incluso negli anni anche ottimi piedi. Di recente lo abbiamo intervistato, stilando le domande a quattro mani con il Direttore, anche lui suo grande fan, per fare il punto della situazione e toglierci qualche curiosità.

Tutta Italia ha iniziato a conoscere Sandro Giacobbe con Signora Mia, nel 1974, ma lei faceva musica già da anni. Il successo è arrivato a tappe o è stato improvviso? Cosa ricorda di quei primi anni di gavetta e quanto oggi manca quest’ultima nella formazione dei nuovi cantanti?

Prima del ’74 e del successo con Signora mia, avevo alle spalle già alcuni anni di ‘gavetta’, era definita così la formazione musicale che si faceva nei locali da ballo cantando con varie formazioni di musicisti. Era anche un modo di crearsi un bagaglio musicale attraverso il repertorio che si cantava di altri artisti. Oggi, tutto questo non c’è più, esistono altre formazioni musicali dettate dai ‘talent’. Il successo è arrivato dopo la mia prima apparizione in tv dove ho presentato Signora Mia nel programma Adesso Musica, da quel momento arrivarono decine di migliaia di richieste giornaliere del 45 giri fino a venderne in un anno circa 750.000.

Lei si è sempre definito un cantautore, ma per quel poco che abbiamo potuto vedere non ha mai fatto parte del giro giusto. Pensa di essere stato sottovalutato e quanto il termine cantautore (ossia autore delle proprie canzoni) negli anni è stato in realtà distorto a favore di un certo tipo di proposta ‘colta’ o impegnata?

Io mi sono sempre definito “cantautore” perché fin dalla mia prima canzone ad oggi ho sempre composto i miei brani della parte musicale o del testo o di entrambi, quindi credo di averne il diritto e poco mi importa se non faccio parte del ‘giro giusto’. Se per giro giusto si intende Paoli, Lauzi ed altri della scuola genovese allora non sono del giro giusto! Fortunatamente anche anagraficamente non vi appartengo.

Sandro Giacobbe ha anche successo all’estero, in particolare in Sudamerica. Come mai certi cantanti, che pure in Italia hanno grande seguito (esempi: Vasco Rossi, Ligabue) oltreconfine praticamente non esistono? Quale pensa sia la ricetta che permette a un musicista italiano e alle sue canzoni di varcare i confini nazionali?

Io credo che avere successo all’estero dipenda molto dalle melodie e dai testi che tradotti, non perdano la loro identità originale, cosa molto più difficile per Ligabue, Rossi o De Gregori che basano soprattutto sui testi i loro brani, probabilmente meno traducibili. Lo stesso Lucio Battisti che ha fatto in Italia 50 grandi successi, in Spagna era appena conosciuto per Il mio canto libero.

Su Indiscreto parliamo anche molto di sport. Lei è un grande appassionato di calcio, tifoso del Genoa e con una grande carriera nella Nazionale Cantanti dove ha ricoperto il ruolo di difensore centrale. Ci è stato riferito che una volta un giornalista le ruppe la tibia nel corso di un partita. Può confermare tale episodio e, nel caso, ce lo può raccontare? Relativamente alla Nazionale Cantanti, quali sono oggi i punti di forza della formazione tra ‘nomi storici’ e ‘nuove leve’ e quanto spazio viene dato a queste ultime?

Sì, sono socio fondatore della Nazionale Cantanti e dopo circa 370 partite giocate, da una decina di anni allenatore. Purtroppo nel corso di questi 30 anni gli infortuni, anche se si gioca per solidarietà, avvengono, e io ne ho subiti parecchi. Ultimo ed il più grave, tre anni fa vicino Lucca, giocammo contro una formazione di ragazzi ex leucemici e uno di questi, a partita praticamente già finita e con il risultato di 3-1 per loro, mi è entrato malissimo sul piede destro ed ho riportato una frattura scomposta al malleolo e rottura di tutti i legamenti. Risultato: intervento e sei mesi di riabilitazione. Purtroppo succede anche questo. Degli storici i nomi rimasti in Nazionale sono pochi: Ruggeri, Barbarossa, Belli e Vallesi. Ci affidiamo anche noi di anno in anno a giovani emergenti da Sanremo o dai talent, e, nelle partite del Cuore a personaggi dello spettacolo o calciatori professionisti e di grande personalità. Il mio modulo preferito è il 3-5-2 anche se difficile da attuare con una squadra di non calciatori professionisti, noi però ci proviamo. Il mio idolo di sempre è Pelè, anche se da qualche anno Messi è entrato al numero 1...... nel Genoa invece il mio preferito era Signorini.

Tornando alla musica, non si è mai sentito ingabbiato in un genere, o in un personaggio? In questo senso ha dei rimpianti?

Nessuno mi ha imposto di cantare un genere, ho sempre scritto e cantato quello che sentivo e che mi emozionava. Per il resto, non ho mai valutato la musica classificandola di serie A o serie B a secondo del genere, ho sempre cercato di fare buona musica, il giudizio dei falsi critici non mi hai interessato. Se potessimo immaginare il successo per quello che hanno fatto molti artisti in questi ultimi 40 anni come me, e paragonarlo a degli iceberg, quelli che spuntano dall’acqua sarebbero ben pochi, quanti possono vantarsi di avere scritto e portato al successo in Italia ed all’Estero 6 o 7 grandi successi?

Le sue grandi hit, da Gli occhi di tua madre a Sarà la nostalgia, sono richiestissime ancora oggi. Avere avuto troppo successo negli anni Settanta e Ottanta ha penalizzato le canzoni scritte dopo? Ci può raccontare qualcosa in più della sua produzione recente?

Non mi sono mai sentito penalizzato dal mio passato musicale, anzi, stimolato a fare sempre meglio. Canzoni come Sei musica uscita due anni fa, o i 10 inediti che fanno parte di questo mio CD doppio uscito in questi giorni, ne sono la testimonianza. L’Antoniano di Bologna ha scelto Insieme noi, per il testo ricco di speranza in un mondo, oramai sempre più malvagio e arido di valori morali, per festeggiare con questo inno i 50 anni del Piccolo Coro .

In Primavera lei canta “Il mondo gira sempre intorno a se mischiando insieme il bene e il male che c’è”. Qual è la sua filosofia di vita e come si è evoluta eventualmente nel tempo?

La mia filosofia di vita è molto semplice, cerco di rimanere ancorato ai valori morali imparati dai miei genitori e trasmessi ai miei figli. A volte con successo altre con qualche fallimento, ma sempre a testa alta.

Cosa pensa dell’industria discografica italiana attuale? È davvero morta o manca la qualità delle proposte? Tra le nuove voci chi è che potrebbe essere il nuovo Sandro Giacobbe?

Quale industria discografica, quella legata ai talent? Oggi esistono solo delle produzioni discografiche e molte di queste realizzate da ‘indipendenti’ come me. Non riesco a individuare un nuovo Sandro Giacobbe, perché i nuovi durano talmente poco che potrebbero essere la fortuna per certi programmi come Meteore.

Quale cantante italiano invidia, se ce n’è uno che invidia, e quali sono stati i suoi modelli, se ne ha avuti?

Fortunatamente non conosco il significato della parola invidia, credo che il successo di ognuno non arrivi per caso, e che dietro ci sia sempre un lavoro di ricerca e professionalità.

Una curiosità, visto che conosciamo il Giacobbe cantante ma non sappiamo nulla del suo privato. Su Indiscreto arrivano molti da Google digitando ‘Moglie di Sandro Giacobbe’. Domanda: chi è la moglie di Sandro Giacobbe e secondo lei perché genera tanto interesse?

Il Giacobbe della Bibbia ha avuto parecchie mogli, io una, dalla quale sono divorziato da parecchi anni. Mi ha regalato la gioia di diventare papà di due stupendi ragazzi che sono tutta la mia vita. Da quattro anni vivo con Marina, mia compagna nella vita e cantautrice, con lei ho riscoperto la gioia di un bellissimo rapporto sentimentale e professionale. La gente ama sapere cosa succede nelle case altrui e, ancor di più in casa dei Vip, basta vedere quanti settimanali riempiono le edicole con i loro fatti privati e, purtroppo, quanta gente c’è che li compra.

Se Sandro Giacobbe avesse vent’anni oggi, vorrebbe fare il cantante?

Io mi sono da sempre considerato una persona fortunata, sono riuscito a realizzare i miei sogni e poi ho messo a disposizione degli altri quello potevo dare, dai sentimenti e le emozioni nelle canzoni e nei concerti live, alle tantissime ospitate che faccio di mia volontà, regalando alle persone meno fortunate nella vita recandomi in ospedali, centri per anziani, centri sociali o carceri minorili per passare un po’ di tempo con loro sollevandoli dai tanti problemi quotidiani che incontrano. Nessun riflettore e nessun giornale, solo la gioia di un piccolo dono. Ecco perché se tornassi ai miei vent’anni rifarei il cantautore, ma solo ripartendo dal 1971!

(intervista realizzata da Paolo Morati il 10 dicembre 2013)

Una vita come quella di Adriano Aragozzini non ha bisogno di cattiva letteratura per essere interessante: basta elencare l’1% di tutte le storie raccontabili sui suoi tanti artisti seguiti come giornalista, agente, organizzatore, amico, iniziando la carriera con il Gino Paoli anni Sessanta per arrivare fin quasi a oggi. Ecco, lui rimanendo sempre ben distante dai confini della querela in Questa sera canto io - Splendori, miserie, passioni, tradimenti e trasgressioni ha scritto la storia della canzone italiana e quindi dell’Italia dell’ultimo mezzo secolo.

Un memoir molto particolare, uscito nel 2017 per La Nave di Teseo, in cui il protagonista, cioè Aragozzini, non è in definitiva mai il protagonista perché l’agente vive della luce riflessa dei suoi artisti, anche di quelli che possono considerarsi sue creature quando non miracolati. In questo senso l’identificazione del lettore è facile: Aragozzini ha fatto cose eccezionali e da noi passate quasi sotto silenzio, come portare al successo la musica italiana nel mondo (in particolare in Sudamerica e negli Stati Uniti), ma è anche uno di noi. Addirittura iniziò come giornalista, prima del folgorante incontro con Paoli, che certi meccanismi del divismo amava prenderli in giro, sempre spiazzante (leggendaria la sua risposta alla domanda su cosa facesse prima dei concerti: “Mi faccio una sega”) al punto anche di spararsi.

Da Paoli in poi la carriera di Aragozzini è decollata, portando al successo internazionale Nicola Di Bari, rilanciando Modugno e tanti altri (bella la parte sul suo rapporto con Arbore e l’Orchestra Italiana) viaggiando in tutto il mondo, allargandosi ad altri settori dello spettacolo (fortissimo il rapporto con Gina Lollobrigida), lavorando tantissimo con la RAI, non soltanto durante la gestione dell’amico Biagio Agnes, e con televisioni di tutto il pianeta, coltivando relazioni in maniera incredibile: eppure un mondo senza smarphone e email è davvero esistito. Il modo di raccontare di Aragozzini, che attualmente ha 87 anni, è leggero ma coinvolgente: si capisce che non può dire di più ma cio che dice è comunque molto.

Al di là degli aneddoti, comunque tanti, Aragozzini è bravo a osservare senza moralismi le miserie umane degli artisti, di cui è stato spettatore e talvolta complice. Tutto viene smussato dal tempo, tranne l’antipatia per Gianni Morandi (incredibile la vicenda del padre morto in Venezuela) e per pochi altri. Va da sé che ogni racconto sia di parte: gli impresari disonesti sono sempre gli altri, quella canzone di successo è stata rifatta su suo consiglio, le sue trasmissioni hanno battuto ogni record, eccetera. Qualche asterisco si può mettere, come sulla sua improbabile love story con Tina Turner.

Del racconto, davvero avvincente anche per chi non ha mai comprato un disco degli artisti citati, ci hanno colpito due cose in particolare. Lo spirito di adattamento del protagonista, che gli ha permesso di risolvere in ogni parte del mondo problemi creati da altri, e la sua mentalità internazionale, nonostante nell’immaginario collettivo Aragozzini sia un personaggio da prima Repubblica. Di sicuro lo è, ma è anche duro contro il provincialismo dei cantanti italiani, che poi si lamentano se oltre Chiasso non li conosce nessuno. Non ci sono classifiche di bravura, ma è chiaro che fra chi haconosciuto bene, e sono tanti, il primo posto sia di Modugno.

Memorabili i suoi cinque Sanremo, tre da organizzatore e due da produttore escutivo, dal 1989 al 1993, in cui sceglieva gli artisti ma non i presentatori che erano imposti dalla RAI. Nel 1989 i quattro figli d’arte, con il senno di poi non male (noi siamo fan di Rosita Celentano), per il gran rifiuto di Pozzetto, nel 1990, l’edizione del ritorno dell’orchestra dopo anni di playback, Dorelli e Gabriella Carlucci, nel 1991 Occhipinti e la Fenech con telefonata di Montezemolo e interessamento dell’Avvocato, poi Baudo.

Abbiamo letto il libro poco dopo la morte proprio di Baudo, con il quale Aragozzini non è caldissimo pur riconoscendogli una competenza, anche musicale, enorme. Tante gioie, tanti soldi guadagnati con modalità non proprio tracciabili (la fatturazione elettronica nel Venezuela degli anni Settanta non c’era) e fatti guadagnare, incontri eccezionali, pericoli corsi in paesi estremi, qualche delusione umana e dolori enormi come la morte di una figlia di 23 anni. Tutto preso con l’ironia giusta, quella che gli fece ingaggiare un fantastico Byron Moreno per Stupido Hotel. 300 pagine e passa, in teoria (lo abbiamo letto sul Kindle), che volano via come la vita.

stefano@indiscreto.net

Mercoledì sera mentre seguivamo la puntata di Techetecheté dedicata all’Italodisco, con i personaggi mainstream (Gazebo, Den Harrow, eccetera) e di culto (Diana Est inarrivabile) che tutti conoscono e in gran parte spolpati da Carlo Conti, abbiamo avuto un sobbalzo rivedendo i Dhuo, che nessun essere umano al di sotto dei 50 anni, e pochi di quelli al di sopra, ha mai sentito nominare.

Noi stessi non abbiamo più avuto loro notizie dalla metà degli anni Ottanta, dopo che Bruno Bergonzi e Mike Logan si separarono una volta finito il grande successo sulla scia di Walkin’, il brano con cui parteciparono fra le Nuove Proposte al Sanremo del 1984, fra l’altro primo anno della Nuove Proposte al Festival, innovazione fortemente voluta da Baudo per avere più potere contrattuale con le case discografiche: noi ti lanciamo il giovane, tu ci mandi il big. Tutto questo al di là del fatto che Bergonzi e Logan proprio giovani non fossero, anzi l’inglese già padre della futura attrice Veronika aveva 37 anni e una solida carriera alle spalle, soprattutto con i The Motowns (un gruppo di Liverpool che negli anni Sessanta suonò al Cavern Club, ma del resto anche noi abbiamo giocato a San Siro) che i cultori della televisione estiva sanno individuare in diversi musicarelli.

Per la cronaca, anzi per la storia, nelle Nuove Proposte trionfò Eros Ramazzotti con Terra Promessa (il cui batterista nel disco era… Bergonzi), davanti a Marco Armani, Flavia Fortunato e a miti come i Canton, Valentino e altri (in gara anche Giorgia Fiorio), con i Dhuo buoni ottavi. Inutile schiacciare il pedale della nostalgia, che come al solito è per i nostri anni giovanili: l’Italodisco è datatissima, inascoltabile oggi se non per capire quei tempi, diversamente da altri generi generazionali di successo come, per dire, l’Eurodance o la House.

I Dhuo hanno avuto il successo che meritavano, prima di scomparire (Logan purtroppo è anche morto, nel 2022), non sono stati talenti incompresi anche se il loro modo di proporsi era ipnotico. Con quelle giacche da club inglese e quei pantaloni grigi con la riga, a formare il terribile ‘spezzato’ che molti uomini dell’epoca ritenevano elegante, si distinguevano dalla massa di giubbetti e di tutine, senza contare il fatto che si muovevamo pochissimo, come a voler creare artificialmente carisma. Fantastici, anche se l’era dello spezzato per loro durò pochi mesi e in altre occasioni si sarebbero esibiti in assetto più casual.

Ma al di là della musica e dall’abbigliamento travolti dal tempo ci piace ricordarli perché entrarono nelle discussioni che accesero il vero Derby d’Italia, quello fra ZX Spectrum e Commodore 64, visto che per la loro Rome by Night si inventarono un sistema, chiamato CV Disc, che proviamo a spiegare con l’avvertenza che abbiamo assistito a tanti tentativi ma nessuno riuscito, né sullo Spectrum né tantomeno sul Commodore 64.

In sintesi: il CV Disc era un disco in vinile, un 45 giri, di tipo speciale, da sincronizzare con le immagini caricate dallo Spectrum. Sul lato A del disco era incisa la traccia audio, mentre sul lato B era inciso un segnale digitale. In pratica si collegava il giradischi a un registratore a cassette per registrare il segnale audio del lato B su una musicassetta vergine, che veniva poi inserita in un lettore collegato allo Spectrum, che interpretava il segnale audio come codice eseguibile. Una volta caricato il programma, l'utente riproduceva il lato A del vinile sul giradischi, che era collegato alla porta EAR dello Spectrum. Contemporaneamente, il programma sullo ZX Spectrum generava immagini e animazioni sincronizzate con la musica.

Come detto, non abbiamo mai visto con i nostri occhi un caso di successo del CV Disc sullo Spectrum e tanto meno sul Commodore (del resto il lato B del disco era codificato per lo Spectrum. il C64 era tagliato fuori anche in teoria), ma i suoi principi erano comunque interessanti e in un certo senso anticipavano la multimedialità. Non vogliamo dire che i Dhuo facciano parte della storia tech, ma il loro esperimento rimane memorabile.

La nostra testa ricorda invece bene il pochissimo spazio sui media per un evento planetario che per 16 ore fra Londra e Philadelphia avrebbe riunito gruppi e cantanti incredibili, al di là delle defezioni eccellenti. Per fortuna era estate e la RAI si vide piovere addosso i diritti dell’evento, in un periodo oltretutto di palinsesti vuoti. Questa coincidenza fece sì che insieme a due nostri amici facemmo una non stop dalla una del pomeriggio all’alba del giorno dopo seguendo tutto ciò che la RAI propose sulla terza rete, che ai tempi era vista da pochissimi.

In Italia si videro tutte le esibizioni tranne quelle in prima serata, visto che si ritenne il Live Aid meno importante di Sotto le stelle, un varietà estivo di Boncompagni che in quell’edizione era condotto da una memorabile Eleonora Brigliadori, icona anni Ottanta che da poco era passata dalla Fininvest alla RAI, con la partecipazione fissa di Kid Creole and the Coconuts. Comunque anche in Sotto le stelle furono trasmesse parti del Live Aid e in definitiva ci perdemmo poco.

Significativo è che la RAI non pensò nemmeno ad organizzare una telecronaca dell’evento, ma si limitò a mandare in simultanea la radiocronaca di RAI Stereo 1, fatta dall’Italia con deejay all’epoca abbastanza famosi, su tutti Ronnie Jones. Poco male, tanto erano artisti quasi tutti straconosciuti a parte quelli collegati dai paesi che Geldof aveva contattato offrendo qualche minuto per spararsi i propri big e così incrementare le donazioni. Qualcuno propose un’esibizione live, altri come L’Unione Sovietica (!!!) un video preregistrato di un gruppo a noi sconosciuto.

L’Italia avrebbe avuto diritto, per così dire, a 8 minuti in diretta, e l’unica idea credibile (figuriamoci le altre) fu quella di proporre Volare, non stiamo scherzando, cantata da Musicaitalia per l’Etiopia, il supergruppo (Vasco Rossi, Dalla, De André, Nannini, Ruggeri, eccetera) che aveva cantato una versione del successo di Modugno e Migliacci tentando di imitare le operazioni Band Aid e USA for Africa, con risultati trashissimi.

Il problema era che i big di quel supergruppo, Vasco in su tutti, si erano pentiti dell’operazione Volare, e in pochi avevano voglia di fare la figura degli italiani mandolinari in mondovisione. Così l’esibizione saltò, anche se ci fu in extremis un tentativo di proporre sempre Volare ma con interpreti diversi, fra i quali Baglioni e Bennato. Nulla di fatto, con la colpa data alle case discografiche cattive, che in realtà avrebbero voluto far conoscere i loro artisti oltre Chiasso, quando era della totale mancanze di idee della RAI. Insomma, è andata così: poco male. Ancora oggi, quando siamo giù di morale, mettiamo su YouTube la versione di Do they know it’s Christmas del Live Aid e ci lasciamo trasportare.

stefano@indiscreto.net

Capita di essere a Bruxelles al Forest National o Vorst Nationaal (Bruxelles è l’unica città belga davvero bilingue) per l’ultimo tour degli a-ha, a 25 anni esatti dal successo planetario del loro primo album Hunting high and low. La venue, bruttina all’esterno dove appare come un vecchio centro commerciale-bowling, è invece sorprendente all’interno con una buona visuale ed una buona acustica da quasi tutti i punti essendo una via di mezzo tra Palatrussardi (ci siamo stufati dei suoi periodici cambiamenti di nome, citiamo il primo in omaggio agli Ottanta) e Rolling Stone, avendo una forma circolare che non ne sacrifica la capienza. Un compromesso ideale, secondo noi, per non finire tra l’incudine del club claustrofobico e il martello dello stadio.

Il repertorio della band è di primissimo livello e i tre, pur veleggiando attorno ai 50 anni, sembrano tutt’altro che imbolsiti suonando quasi 2 ore con 21 canzoni totali (più della metà prese dai loro primi 3 album degli 80’s) dando vita ad un concerto che ricompensa ampiamente il viaggio fatto. Ending on a high note Tour non è un nome cialtrone, i tre norvegesi chiudono davvero in bellezza.

Peccato che il pubblico italiano continuerà a subire l’embargo iniziato nel 1988 quando fecero ben 10 (!) date nello Stivale. La motivazione ufficiale è che non ci sono promoter disposti ad ingaggiarli, a nostro modesto avviso c’è anche la frustrazione nel dover fare i conti con una casa discografica che da anni non li promuove minimamente sostenendo che non siano adatti al pubblico italiano. Un’opinione che non deve sorprendere se pensiamo agli ignorantoni che popolano quell’industria, neanche capace di cogliere il fatto che un gruppo di successo come i Coldplay abbia preso a piene mani dallo stile degli a-ha, non a caso il gruppo preferito da Chris Martin …

Per noi italiani però c’è stato un evento nell’evento a fine concerto, non dovendo fare lo slalom tra la moltitudine di bancarelle con magliette taroccate e venditori improvvisati di “ACQUEBBIRRA!!!” rigorosamente fianco a fianco di poliziotti, vigili, eccetera, che fan sempre finta di non vedere (la miserrima speranza è che prima o poi qualche Jimmy Ghione o Iena vada a chiedere il perché).

Le città del Belgio che abbiamo visto non ci son sembrate quel luogo tristissimo che molti descrivono (forse per la botta di fortuna nel godere di un sole quasi primaverile ad ottobre inoltrato), la percezione sulla qualità della vita ed il grado di civiltà è la stessa che si ha quando si capita nell’Europa più sviluppata ed anche la massiccia immigrazione pare esser stata gestita in modo migliore che da noi (anche grazie al background linguistico creato dalla colonizzazione), la sensazione di degrado (anche la sporcizia in giro ci è parsa meno sporca) e guerra tra poveri che aleggia in alcune zone delle nostre città non l’abbiamo mai avuta, tuttavia uno stato in cui le città cambiano magicamente nome nel giro di pochi chilometri senza alcuna traccia di scritte bilingui (con relative scene tragicomiche di turisti sui treni che non sanno più dove andare) è destinato a dividersi alla prima buriana della storia.

Andrea Ferrari, da Bruxelles, 22 ottobre 2010

Da sempre riteniamo che quando si parla di musica si dia troppo poco spazio agli autori, mentre l’attenzione è tutta focalizzata sul volto e la voce che ne porta l’opera sul palco, facendola propria. Un esempio chiaro è quello di Perdere l’amore, grande canzone italiana in tutto e per tutto con la quale Massimo Ranieri trionfò al Festival di Sanremo del 1988 forte anche di un’intensa e magistrale interpretazione. Uno dei suoi autori è Giampiero Artegiani, compositore, paroliere e per un breve periodo anche direttamente cantautore, nonché membro dei Semiramis, band progressive degli anni Settanta. In questa lunga intervista ripercorre per Indiscreto la sua storia e non lesina critiche all’odierno scenario autorale. Non mancano aneddoti e rivelazioni riguardanti la sua esperienza sul palco e dietro le quinte. Quasi un’autobiografia, più che un’intervista. È lunga, ma vale davvero la pena di leggerla perché Artegiani ha moltissimo da dire e si può permettere il lusso di essere sincero.

Ci puoi raccontare qualcosa in più della tua formazione musicale? Quando hai iniziato a suonare e hai pensato di poter diventare un autore e cantante? Che tipo eri da ragazzo?

Sono nato a Roma nel 1955, in un quartiere chiamato Centocelle e in un comprensorio di case popolari talmente malfamato che neanche la polizia osava entrarci. La mia fortuna è stata quella di avere una famiglia normale. Mia madre, Edera, faceva la sarta, lavorava in casa e mi teneva d’occhio. Alessandro, mio padre, lavorava negli stabilimenti di Cinecittà e, certe sere, prima di cena, prendeva il suo banjo-mandolino, quattro corde doppie, suonando marcette e canzoni del suo tempo. Rimanevo incantato… Dovevo imparare anch’io a suonare quelle canzoni. La casa era piena di vecchi spartiti : Tico Tico , Speranze perdute, Vecchia Roma… Sono del segno zodiacale del Toro e quando mi metto a testa bassa non c’è muro che tenga: imparai! Le mie dita da ragazzino di sette anni soffrivano su quelle corde, ma mi feci i primi calli e diventai bravo a suonare e leggere la musica da solo. Era il 1962… La musica italiana suonava in tutti i mangiadischi e anche in quello di mia sorella Antonella che ha sei anni più di me. Passavo ore ed ore ad ascoltare Perry Como, Neil Sedaka, Petula Clark, Gene Pitney. E Morandi, Mina, Ranieri, Celentano, Vianello… Mi ricordo un brano musicale dei Los Indios Tabajaras che suonavano la stupenda Maria Elena (chitarra classica e melodia meravigliosa ) e tutte le più belle canzoni italiane degli anni Sessanta, cercando di impararle, di capire i testi… A quel punto il vecchio banjo non mi bastava più, ci voleva una chitarra. Non senza sacrifici, dopo mille piagnistei, i miei mi comprarono una Excelsior: 9 mila lire di felicità! Imparai, da solo, tutti gli accordi e tutte le canzoni di quell’epoca. Mi confrontavo con gli altri ragazzi del quartiere più ‘vecchi’ di me che già suonavano per scoprire qualcosa in più sulle tecniche, sui rivolti, sulle scale… Se m’innamoravo di una canzone, anche del Festival di Sanremo, che seguivo incollato alla tv, prendevo il tram, andavo al centro di Roma per comprarmi lo spartito nel negozio Ricordi, di Piazza Venezia e tornavo a casa eccitato… Non vedevo l’ora di scoprire l’accordo che mi mancava e che non capivo. Era una 5+, che stava sulla canzone : Un’ora fa, di Fausto Leali…, e su Settembre, di Peppino Gagliardi… E poi, come un fulmine a ciel sereno arrivarono i Beatles… e il mondo della musica cambiò. Ma poi arrivò l’Agosto del ’69, Woodstock… Hendrix, Cocker, Ten Years After… e ancora, tutto cambiò. Quella fu una generazione di apostoli dell’amore e della musica, che non chattava, non postava, non twittava… suonava! E suonando arricchiva il mondo e manifestava le proprie idee di pace, contro quell’eterna, inutile guerra in Indocina. A quel tempo se non suonavi eri fuorigioco, come non avere uno smartphone oggi. E noi ascoltavamo, imparavamo e suonavamo, suonavamo, suonavamo… il resto non contava niente. Così, quel ragazzo un po’ introverso e pensieroso, ma leale e di parola (regole insegnate dalla strada e da quegli amici pericolosi ma leali e di parola ), si salvò, e anziché prendere la strada della malavita, come successe a molti di quel tempo e di quel quartiere, prese lo svincolo più importante della sua vita: la musica.

Semiramis, di cui hai fatto parte insieme a Michele Zarrillo, è una band progressive che ha pubblicato un unico album intitolato Dedicato a Frazz e particolarmente apprezzato dai cultori del genere. Si parla dei primi anni Settanta, eravate ancora giovanissimi, eppure la casa discografica scommise su di voi. Si può dire che eravate dei fuoriclasse? Quali sono i tuoi ricordi di quel breve periodo, come è cominciato e perché si è chiuso e che cosa ti ha lasciato in termini di background per il prosieguo della carriera?

1970. Arrivarono la mia prima chitarra elettrica con ampli e la prima band: Venus! Ore e ore di prove suonando solo quella canzone, in una stanza che ci affittò la sede della Democrazia Cristiana di via Anagni. Poi, all’Istituto Tecnico Giorgi, incontrai Paolo Faenza, che suonava la batteria. Altra band, altre cantine, altri brani: Living Loving Maid… Heartbreaker… Mobydick… Led Zeppelin, Black Sabbath, Ten Years After, Grand Funk Railroad, Zappa… Primi festival rock di periferia… Quel quartiere di Roma era una fucina di musicisti. Anche Michele Zarrillo, allora 15 enne, abitava lì e suonava con un altro gruppo. Lui era un vero fenomeno con la chitarra. Quella band si sciolse e, dopo vari cambiamenti, Michele entrò in un’altra con Maurizio, suo fratello che suonava il pianoforte, con Marcello Reddavide al basso e Memmo Pulvano alla batteria. Quest’ultimo lasciò la band dopo una serie di concerti, incluso Villa Pamphili ’72. Il suo posto lo prese Settimio Corà. Fu allora che Marcello Reddavide mi propose di entrare in quella band come chitarrista acustico. Accettai. Settimio litigò con la band ed io proposi il mio amico Paolo Faenza che accettò e fu accettato. Così nacquero i Semiramis di Dedicato a Frazz. Ognuno di noi portò le sue esperienze musicali e ci fondemmo magicamente, per una strana alchimia che non saprei spiegare. Provavamo tutti i santi giorni per 4 o 5 ore al giorno nella cantina dei fratelli Zarrillo. Ampli rigorosamente Marshall… a tutto volume! Creavamo senza porci obbiettivi precisi: “Bella questa frase… bello questo tempo… bello questo arpeggio… aggiungi l’organo… fai questo contrappunto con il basso…”, le idee scaturivano un po’ da tutti, come una fontana in piena. Ognuno aggiungeva, suggeriva, creava liberamente… Marcello ci portò una storia scritta che riguardava un personaggio psicopatico in eterno conflitto con il mondo… ma non aveva un nome. Decidemmo di unire le iniziali dei nostri cognomi e così nacque il nostro Concept Album: Dedicato a Frazz. La sera, non contenti, ci riunivamo a casa di Paolo, che era quello che comprava i dischi e le novità, e lì ascoltavamo i King Crimson, Emerson Lake & Palmer, Genesis, Gentle Giant, Mountain… di tutto e di più. Ma il pomeriggio seguente, giù a provare ancora… e io persi un anno di scuola. Facemmo un sacco di concerti… Politeama di Palermo, Palasport di Roma e Torino, Be In di Napoli, Festival Rock di Nettuno… supportati , da Robert Cunningham, nostro produttore di allora. Mia madre ci cucì gli abiti di scena, mio padre ci forni un manichino a grandezza naturale che prese nei magazzini di Cinecittà che rappresentava Frazz, e ci costruì una forca perché Frazz veniva impiccato (ossia, si impiccava nel momento in cui la storia lo richiedeva. Io lo rappresentavo sul palco. Al momento giusto io, vestito come il manichino, sparivo di scena e si alzava la forca. Il pubblico pensava fossi io… ma poi rientravo in scena e l’applauso era assicurato. Portammo in giro quello spettacolo in tutta Italia. Maurizio Salvadori, che aveva appena fondato la Trident Records, volle fare un album con il nostro spettacolo. Registrammo alla Regson di Milano, in Porta Ticinese, su un 8 piste: tutto in diretta! Mixammo alla bell’e meglio (il fonico non era un genio nel Prog) e il lavoro uscì sul mercato: 33 giri / stereo 8! Continuammo a suonare per un po’, finché Marcello si staccò per via del servizio di leva. Anche Maurizio lasciò il gruppo e noi restammo in tre. Ci affidarono una cantina in via del Boschetto e sostituimmo Maurizio con il giovane Julio Ferrarin, oggi quotato arrangiatore e produttore di Dance, e Tony Massarutto prese il posto di Marcello. Mia madre cucì due nuovi abiti…. Ma questa band durò poco. Il giocattolo era rotto e rincollarlo non fu possibile. Quella fu la nostra scuola per impiantare una vita sulla musica. Imparammo che per ottenere qualcosa bisogna lavorarci con costanza, perseverare, riprovare, migliorare, insistere, tutto con estrema curiosità e umiltà. Io e Michele abbiamo continuato. Paolo si è perso tra i suoi ‘tappeti’ per una trentina di anni. Ora ha ripreso e suona con varie band nei locali di Roma. Lui ci ha spinto a riformare i Semiramis per il piacere di risuonare quella musica. Io e Maurizio abbiamo risposato la causa e abbiamo rimontato il nostro Dedicato a Frazz insieme ad altri musicisti, più giovani di noi, ma bravissimi: Antonio Trapani (chitarra elettrica), Daniele Sorrenti (tastiere),Vito Ardito (voce e chitarra acustica), Ivo Mileto (basso elettrico). Quella esperienza mi ha insegnato a vivere, mi ha fatto crescere come nessuna scuola di vita e di musica avrebbe potuto fare. Lì ho capito la differenza che c’è tra eseguire e interpretare, e che la musica non è chiusa dentro quei pallini neri scritti su uno spartito…ma è nel cuore di chi li legge, ne capisce il senso, e poi la suona.

Conclusa l’esperienza Semiramis che cosa hai fatto? La prima immagine che ho in mente di te è quella della partecipazione vincente a Saint Vincent con Il sogno di un buffone nel 1983. Come sei arrivato a proporti come cantautore e a lanciare quel brano, che introduceva uno stile comunque molto personale?

Chiuso il capitolo Semiramis, nel ’75, mi sono diplomato e ho accontentato i miei. Poi ho rifiutato posti di lavoro sicuri per continuare la mia strada: ho scommesso su di me e che avrei vissuto di musica. Una scelta azzardata e un po’ incosciente, ma non potevo fare diversamente. Ho iniziato a propormi come insegnante di chitarra e di musica in varie scuole. L’unica che mi rispose fu una scuola per bambini handicappati. Ho accettato la sfida e ho iniziato ad avvicinarmi alla musicoterapia. Una branca della musica che mi ha sempre affascinato. Questa esperienza l’ho condivisa con Paolo Faenza, il batterista dei Semiramis, che mi seguì in quest’avventura affascinante e nuova per noi e per la didattica italiana. In quegli anni, di musicoterapia se ne sentiva parlare appena… probabilmente siamo stati tra i primi in Italia. Avevamo 5 classi di bambini diversamente abili. Applicavamo la musica a seconda dei bisogni psichici e fisici di ogni bambino per cercare di sollecitare e migliorare il loro handicap, confrontandoci e lavorando in team con psicologi, fisioterapisti, logopedisti, per usare questo nuovo mezzo di espressione e comunicazione a vantaggio delle disfunzioni dei bambini. Dopo questa bella parentesi di 2 anni, iniziai a prendere coraggio per affrontare il palco da solo. Prima scrissi alcune canzoni insieme a Marcello Marrocchi, che nel ’79 fu un produttore di una band extrapop che fondammo io e Paolo: i Carillon. Realizzammo 3 singoli per la EMI, e poi ci sciogliemmo. Però fu in quella band che iniziai a cantare come solista e presi coraggio e coscienza della mia voce. Intanto iniziai anche a scrivere per altri artisti: Franco Califano, Nini Rosso, i Collage, e nel frattempo iniziai a scrivere anche per me e a pensarmi come cantautore. Realizzai una serie di provini. Marrocchi li propose alle varie case discografiche. Nel 1982 registrai per la Lupus Ricordi il mio primo album Giampiero Artegiani. Avrei dovuto partecipare al Festival, ma (sbagliando ) preferimmo farlo uscire in primavera. Partecipai alla prima edizione del Premio Rino Gaetano, con la canzone Il sogno di un buffone, e vinsi. Poi partecipai al Festival del Pianobar di Fiuggi, e vinsi… e poi feci una lunga gara a Domenica In, con concorrenti del calibro di Zucchero, Sergio Caputo, il Gruppo Italiano… Era una lunga gara a eliminatorie per partecipare a Saint Vincent Estate ’83: vinsi la gara televisiva e poi vinsi anche quell’edizione di Saint Vincent. Le radio suonavano le mie canzoni… la mia carriera da cantautore era iniziata bene!

Da lì hai poi spiccato il volo verso Sanremo del 1984. La canzone era Acqua alta in piazza San Marco. Gran bel pezzo melodico, con un insieme di archi e un crescendo finale. Eppure le giurie ti eliminarono… Due anni dopo ci riprovasti con …e le rondini sfioravano il grano, conquistando il terzo posto. Come hai vissuto quei Festival e come è cambiato oggi Sanremo rispetto agli anni delle tue partecipazioni?

Parto con un aneddoto carino. Dunque, quando arrivai a Sanremo, per fare le prove, era già sera. Mi accompagnava un giovanissimo Pasquale Mammaro, addetto della mia casa discografica. Proponevo Acqua Alta in Piazza San Marco. Non si cantava dal vivo, ma era tutto in playback. Tutti gli artisti erano accompagnati da un manager, da un discografico, da un amico… Dietro le quinte c’era un ragazzo che doveva provare per ultimo e che non era accompagnato da nessuno: solo. Che sfigato, pensai. Era Eros Ramazzotti, e proponeva Terra Promessa! Poi ho scoperto che il povero Eros non era accompagnato perché i suoi produttori erano già sul palco e nella sala dei comandi: Gianni Ravera e un altro il direttore della baracca che si chiamava Aldo Patriarca. Altro che povero ragazzo solo… Eros aveva già vinto ancora prima di iniziare! Io, ignaro, feci la mia prova e, quando tutti i giornalisti presenti in sala si alzarono in piedi ad applaudire la mia canzone, pensai: ”Evvai!!!…Vinco anche stavolta!”. E invece no: tutte le canzoni più belle e più fastidiose per la vittoria di Eros vennero fatte fuori: Banchelli, Santandrea (anche lui intervistato da Indiscreto)… Quando Pippo Baudo lesse i nomi degli eliminati, tutti pensammo che avesse sbagliato foglio… invece no. La loro strategia funzionò. Io non dormii tutta la notte e la mattina seguente ripartii per Roma. Sull’autostrada tutte le radio suonavano Acqua Alta… fu da subito un successo radiofonico vero. Dopo il viaggio, quando rientrai a casa quel sabato sera, il Festival era da poco iniziato. Aprii la porta. Il volume della tv era alto e sentii Eros che cantava “…una terra promessa, un mondo diverso….”. L’amarezza te la lascio immaginare. Però, devo dire che quella mia canzone, ancora oggi è conosciuta un po’ da tutti, anche da chi a quel tempo non era ancora nato. Sono passati più di 30 anni e per essere una canzone eseguita in una sola serata del Festival, da un giovane, be’, significa che non era poi così male… Nel 1986 mi ripresentai con E le rondini sfioravano il grano. In realtà, alle preselezioni presentai anche come autore e produttore artistico di una band vocale che si chiamava I Macedonia. La canzone si chiamava La mia anima non te la do. I miei discografici mi mandarono come zavorra… nel senso: faranno fuori lui, e sicuramente prenderanno i Macedonia. Purtroppo per loro, che avevano già fatto un brindisi alla loro ammissione (…come porta jella brindare prima ), alle prove che si facevano da vivo superai me stesso con un’interpretazione bellissima (era il primo anno che si cantava davvero), perché i monitor erano regolati alla perfezione. Ravera si scusò per lo scherzo di due anni prima, eliminò i Macedonia e io partecipai. Purtroppo nell’esecuzione in diretta tv saltò l’ascolto di un monitor e non la interpretai bene come alle prove… mi classificai al terzo posto, dopo Aleandro Baldi e Lena Biolcati, che aveva registrato sulla base l’acuto finale interminabile… un’idea geniale che le fruttò la vittoria nelle Nuove Proposte. Ma anche questa canzone, E le rondini sfioravano il grano, fu molto apprezzata e ancora oggi ha i suoi estimatori: è la mia storia di ragazzo adolescente. Mi chiedi se il Festival è cambiato? Certo. È cambiato, e molto. Basti pensare che nessuno si ricorda chi ha vinto l’edizione precedente, o almeno il motivo di una canzone che ha partecipato. Al contrario, fino alla fine degli anni Novanta, c’erano almeno 3 o 4 canzoni che ti restavano dentro e potevi ricantare anche l’anno seguente. Il segreto è tutto nella scelta dei brani: c’è chi capisce quando una canzone è una canzone, e chi è convinto, pur facendo un altro mestiere, di riuscire a distinguere una canzone da un ammasso di note e di parole senza senso…, spesso in nome del ‘moderno’, del colpo di scena e del favore all’amico, al dirigente… Ma capire le canzoni che funzionano e rimangono nel tempo, oltre a essere un mestiere, è anche una dote. Un misto di esperienza e sensibilità musicale del pop. Purtroppo viviamo un’epoca in cui chi non sa cantare giudica i cantanti, e a volte ha anche la presunzione di insegnargli a cantare; discografici e programmatori radiofonici giovanissimi senza cultura musicale, senza basi; autori mediocri che scrivono solo perché sono amici con il discografico o con l’interprete, ma non conoscono neanche l’ABC delle tecniche di scrittura… è un miscuglio di arroganza e incompetenza in tutti i settori… Artisti che si producono e scelgono quello che devono cantare, mariti o mogli che si improvvisano produttori; produttori che non riescono a capire chi hanno di fronte; nomi altisonanti che non hanno mai scritto una canzone di successo, né mai hanno prodotto un artista portandolo al successo… eppure, giudicano, insegnano, parlano, scelgono….Perché succede questo? Perché ci sono i produttori televisivi incompetenti che scelgono chi deve giudicare, insegnare… Giurie di qualità composte da ballerini, opinionisti, salumieri che ricevono la patente per giudicare una materia che non conoscono. Poveri ragazzi che, invece di partire dalle ‘cantine’ e fare la gavetta, partono già da un successo di immagine, condite dalle lacrime dei genitori, dalle urla degli amici… Un successo a credito che poi diventa ingestibile, non sanno muoversi in questo ambiente perché non hanno basi. Ho sentito dire ad alcuni artisti di venti anni: io ho fatto la gavetta…. La gavetta? A venti anni? Non si rendono conto cos’è la gavetta partendo dalla cantina, in poi. Ieri un’audizione era un punto di partenza, mentre oggi è il punto di arrivo, davanti a milioni di spettatori… e l’audizione diventa già il successo! Gli autori, quelli veri, sono tutti spariti perché è inutile portare cioccolatini a chi è ormai abituato alla merda: nessuno distingue più la differenza. A onor del vero: Baudo era un’altra cosa, e con lui tutti gli autori del tempo.

C’è una tua canzone del 1985, Arrivarono gli americani, post-bellica ma in un certo qual modo anche (apparentemente?) scanzonata, perlomeno nel ritmo e nel cantato. Qual era il messaggio che volevi effettivamente comunicare con questo singolo?

Volevo dire che tutto ha un prezzo! La rinascita dell’Italia nel dopoguerra è stata favorita e sostenuta da loro, dagli americani con il Piano Marshall. Ma la perdita parziale della nostra identità e della nostra libertà è stato il prezzo che abbiamo pagato. Il senso era: se qualcuno ti dà una mano, non è mai gratis! Per questo il brano finisce con le note di Smoke gets in your eyes (fumo nei tuoi occhi), suonate dalla tromba di Oscar Valdambrini.

Il tuo ultimo album è stato Dopo il ponte, uscito nel 1989, e certamente distante rispetto alla produzione precedente, nei contenuti. Da quel momento non hai praticamente pubblicato più nulla, proseguendo solo sulla strada di autore. Puoi spiegarci il perché di questa scelta e quanto (e se) ti è mancato il non proporti più in prima persona?

Dopo il mio primo album, datato 1983, ho continuato a scrivere brani per me stesso, pur continuando a scrivere per altri artisti come Califano, Zarrillo, Ranieri, Murolo, Di Capri, Maria Carta, etc. Ma quando ho partecipato a Sanremo come autore, nell’88, presentando due brani, Come un giorno di sole, cantato da Michele Zarrillo, e Perdere l’amore, interpretato da Ranieri, ho avvertito una strana sensazione di libertà. Libertà dagli orari delle prove, dagli impegni con le radio; libertà di non dover scegliere il vestito per la serata in tv, di non dovermi preoccupare della pettinatura, della montatura degli occhiali. Ero libero, senza stress, mentre gli altri si affannavano per apparire al meglio. Fu allora che dissi a me stesso: be’, anche stare dietro le quinte, non è poi così male… Ma il successo di Perdere l’amore fu così travolgente che la Polygram mi propose di realizzare un nuovo album. Non rifiutai, ma dissi chiaramente che volevo fare ciò che mi piaceva, senza costrizioni. Accettarono. Lavorai ai provini delle canzoni che già avevo scritto nel corso degli anni, e poi, insieme a Maurizio Fabrizio, li mettemmo in bella copia usando i migliori musicisti a disposizione. Erano brani pop, ma molto profondi, impegnati, poco discografici perché non cantavo Amore, Cuore, Dove sei, etc, ma cantavo: Madre Negra Aparecida, Addio Kabul, A Paula Cooper, Eterno Padre… insomma, l’espressione più pura e scevra da imposizioni di mercato. Toccai le 10.000 copie, che per un album non erano pochissime. Mi proposero di partecipare a Sanremo, ma di nuovo tra i giovani, in coppia con gli Inti Illimani, rifiutai di tornare tra i giovani e promozionai il disco al Festivalbar. E forse feci un errore. Ma chi non ne fa? Comunque stare sul palco in prima persona non era qualcosa per la quale avrei ucciso. Ero talmente pieno d’impegni, scrivevo canzoni per altri artisti: collaborai con Ivan Graziani, con Pierangelo Bertoli, poi iniziai a produrre artisti in proprio per mettere su una mia scuderia. Iniziai con Silvia Salemi e i Doc Rock… insomma, Giampiero Artegiani, come produttore e autore soppiantò senza dolore il cantautore Artegiani. Posso dire con fierezza che io stesso spensi le luci del mio palco, dignitosamente. Ora, a distanza di tanti anni, devo dire che sono pentito e, forse, un giorno non lontano…

Una domanda obbligata riguarda uno dei tuoi brani più famosi, Perdere l’amore, scritto insieme a Marcello Marrocchi (con il quale hai un lungo sodalizio) e trionfatore al Festival del 1988. Un vero classico della canzone italiana. Come è nata e come siete arrivati ad affidarla a Massimo Ranieri?

Perdere l’amore è nata nel 1986. Una storia vissuta, vera, reale… da un amico molto vicino. Marrocchi venne nello studio dove lavoravamo in quel tempo, prese la chitarra e mi disse: senti se ti piace questa strofa… E partì con E adesso andate via… arrivando fino a… credevo fossi un Re. Lì si fermo e mi disse… non riesco ad andare avanti. Io, folgorato da quell’inizio così profondo, dissi: la finisco io! Fui ispirato a tal punto che il giorno dopo la canzone era finita. La proponemmo a vari artisti e tutti rifiutarono. Nel maggio del 1986 fecero una trasmissione a Mosca, con artisti del Sanremo appena finito e non. Tra loro c’era anche Gianni Nazzaro che mi chiese se avevo un brano da dargli. Visto che Perdere l’amore era ancora inedita, gli dissi di si e quando tornammo realizzammo un provino. Facemmo un patto: se non lo prendevano al Sanremo dell’87 il brano tornava a noi autori perché non volevamo andasse perso dentro un album. Noi sapevamo il potenziale di quella canzone. Un amico mi propose di chiamare Massimo Ranieri, che non cantava da tanti anni, per fargli ascoltare alcune canzoni. Lo chiamai. Andai a casa sua e gli feci ascoltare cinque brani che opzionò subito. Prima di andare via gli feci ascoltare Perdere l’amore. Lui mi disse: la voglio! Dovetti dirgli della questione Nazzaro e del patto che facemmo. Gli promisi che se non lo avessero preso a Sanremo, quella canzone l’avrei data a lui. Perdere l’amore fu bocciata con la dicitura ‘Canzone non idonea al Festival! Purtroppo per Nazzaro, la canzone fu affidata a Ranieri… il resto è noto. Vinse con 2,5 milioni di voti di scarto sul secondo classificato, Cutugno, che aveva già brindato alla vittoria… (come porta male brindare prima…). Considerata e votata dagli italiani, forse generosamente, come la Canzone più bella del Secolo. Scusate se è poco…

Un’altra canzone che ha raccolto ottimi riscontri è A casa di Luca, questa volta presentata da Silvia Salemi nel 1997 che accompagnasti sul palco con la chitarra. Molto dolce sia nell’andamento che nel testo, fu seguita l’anno successivo da un brano più moderno e incalzante, ma altrettanto interessante e sensibile: Pathos. Come sei arrivato a produrla?

Incontrai la Salemi a Castrocaro nel 1993. Quell’anno facevo lo scrutatore. Nonostante i suoi 16 anni aveva una voce profonda, rotonda e diversa dalle altre. Ricordo che dissi a Dino Vitola, allora organizzatore di quel Festival, “Quella ragazzina ha una voce molto particolare… tienila d’occhio”. Ma tutto finì lì. Poi il suo produttore siciliano di allora mi avvicinò e mi chiese di dargli una mano, perché aveva delle canzoni inedite… Le ascoltai. Erano orrende. Glielo dissi. Lui mi chiese se potevo scrivere qualcosa per lei. Lo feci e scrissi 3 o 4 canzoni da provinare, ma prima di questo la feci esibire in qualche spettacolo live per testarne la solidità sul palco. Era fotogenica e determinata. Decisi di lavorarci. Poi lei ebbe una discussione con il suo produttore e si svincolò. La presentai a Castrocaro 1994 con un mio brano: Con questo sentimento. Sotto la supervisione e il controllo di Baudo lei vinse quell’edizione e andò a Sanremo giovani. Fu quello l’ultimo Festival di Castrocaro in cui il vincitore accedeva di diritto alle Preselezioni di Sanremo giovani. La presentai con una rivisitazione Dance di Nessuno mi può giudicare. Passò il turno e partecipò tra i giovani con la mia Quando il cuore e produssi il suo primo album. Si qualificò tra i primi sei e di diritto andò all’edizione di Sanremo 1997. I discografici non ci credevano molto e pensavano fosse un mio abbaglio. Allora tirai fuori dal mio cassetto A casa di Luca, che avevo composto circa cinque anni prima. Lei si rasò i capelli. Il successo fu eclatante e immediato! Dovuto sì, a quella canzone particolare, ma anche alla sua immagine. Solo allora i discografici incompetenti mi diedero ragione e cercarono di salire sul carro del successo… Mi conferirono il Premio Volare per il miglior testo e, se non ci fossero stati i Jalisse, prodotti dalla moglie di Sergio Bardotti, autore storico del Festival, forse avrebbe anche vinto quell’Edizione. Ma in quegli anni Sanremo era un terno al Lotto, c’erano pressioni e priorità. A buon intenditor… Quell’anno avevo anche una band salernitana in gara: i Doc Rock, che proposero un altro mio brano: Che c’è di Rock? Un buon successo che durò fino all’anno seguente, dove gli affidai (sbagliando per colpa di Vitola) un brano troppo importante per loro: Secolo Crudele. Sempre nel 1998 Salemi presentò la mia Pathos. La critica la attaccò perché l’invidia è brutta, e non potendo attribuirle colpe, presero a dire che quel taglio di capelli era da naziskin, e la critica dei saggi della sinistra bacchettona (i critici sono sempre di sinistra ) la fece a pezzi. Per fortuna le radio la pensarono diversamente e Pathos suonò, come a Casa di Luca, in tutte. Per la Salemi realizzai come autore produttore altri sei album: L’Arancia (2000), Il Gioco del Duende (2003), e Il mutevole abitante del mio solito involucro (2007). In due brani di quest’ultimo album esordirono come prima regia di Videoclip, Beppe Fiorello e Giorgio Pasotti. Dal 2008 ho lasciato quella produzione.

Negli anni hai lavorato anche con Franco Califano, personaggio controverso e come spesso accade compianto e rivalutato dopo la sua scomparsa. Cosa ricordi di questa collaborazione con lui e come lo posizioni effettivamente nella storia della nostra musica leggera?

Con Franco ho realizzato diversi album, in tutto circa 30 canzoni: Buio e Lunapiena; La mia Libertà (…che non potei firmare per problemi di case editoriali incompatibili), Per una donna; Ragazzo mio; Passano gli anni; Amare è e tante tante altre… Quando penso a lui mi tornano sempre in mente la stessa immagine e lo stesso aneddoto. Lui viveva in una villetta a Fregene, un posto di mare vicino Roma. Io andavo da lui con la mia chitarra, ma dovevo arrivare non prima delle 17.00, perché lui si svegliava tardi. Fuori, in giardino, c’era sempre un motorino diverso, di una ragazza diversa. Lui scendeva dalla sua camera, lei lo salutava con un bacio e se ne andava. Lui diceva: “Annamo Giampi. Annamo ar bar”. Ci incamminavamo nella nebbia (i luoghi di mare, in inverno sono tetri come film horror), tra gli alberi. In fondo al viale c’era un piccolo bar. Io prendevo un caffè, lui un amaro Ramazzotti con ghiaccio e poi si portava via tutta la bottiglia. Lavoravamo fino a tarda notte. Verso l’una arrivavano i suoi amici che cucinavano qualcosa. Er Palletta, e un signore che faceva il bagnino, sessantenne, biondo platino con i capelli lunghissimi e la fascia da tennista sulla fronte, tatuaggi vari e catenine d’oro spesse un dito. Mi ricordo anche Er Falco. Meravigliosi! Alle due, dopo la pasta supercondita e due bicchieri di vino, io crollavo e, barcollando nella nebbia, me ne andavo a casa. Loro iniziavano a vivere la notte!

Oggi si sente dire spesso che mancano gli autori. I ragazzi che escono dai talent possono anche avere buone doti di cantanti ma alla fine ‘cadono’ quando si tratta di presentare degli inediti. Qual è la formula giusta – se esiste – per scrivere una bella canzone e i passi obbligati da compiere per produrre qualcosa di buono?

Credo di avere già risposto ampiamente a questa domanda: l’audizione non è più un punto di partenza, dopo aver fatto la gavetta. L’audizione è il loro traguardo finale, come se fossero già pronti per proporsi al grande pubblico. La loro gavetta inizia e finisce lì. Purtroppo, anche se alcuni sono molto bravi, ‘Uno su mille ce la fa’, e non sempre è il migliore…. Un danno irrecuperabile favorito anche da giudici che tutto dovrebbero fare tranne scoprire talenti, perché nella loro carriera non ne hanno mai scoperto uno e portato al successo, partendo da zero e senza multinazionali d’appoggio. La formula giusta per scrivere canzoni è quella di aver avuto un maestro al quale hai rubato il mestiere. Un po’ come accade per l’artigianato… Hai la fortuna di vedere come si realizza un buon violino, una bella statua, il vetro soffiato, la salsiccia buona, il vino… e tu, rubi il mestiere con umiltà, mentre il maestro sa che tu stai rubando ed è contento di tramandare l’arte che, a sua volta, ha rubato al suo meastro. Chiaramente devi essere predisposto ad assorbire le finezze e le tecniche, altrimenti non ce la farai. Ma questa è l’unica via per imparare a fare l’autore. Stessa cosa vale per la produzione artistica. Devi imparare a stare in studio e a tirare fuori il meglio dal cantante, dall’arrangiatore, dai musicisti e dal fonico. Seguendo e rubando il mestiere ad un produttore… ma un buon produttore è sempre un buon musicista. Un buon manager, al contrario, deve essere un uomo di idee, ma spietato e affarista. Un buon produttore sa scegliere il bravo manager che fa al caso dell’artista prodotto.

Secondo te quanto la musica nelle sue varie sfaccettature può influire positivamente (ma se è il caso anche negativamente) sul benessere di una persona, e come?

Credo che influisca molto. Giustamente, come hai detto, la musica ha varie sfaccettature, e ognuna di queste, se incontra l’anima giusta, riesce a influenzare gli stati d’animo, appunto. A parte la musicoterapia intesa come mezzo di aiuto per chi ha problemi psichici o fisici, ad esempio, per chi ha problemi di respirazione, suonare correttamente il flauto dolce, inspirando e soffiando, può essere senz’altro un aiuto. Ma la musicoterapia può essere intesa anche come onda sonora rilassante e eccitante. Gli anni Settanta sono un esempio lampante di come un certo tipo di musica venisse usata, mixandola alle varie sostanze stupefacenti, per raggiungere stati mentali che andavano oltre la percezione normale delle cose. Certo, chi ascolta Mahler ha bisogni diversi da chi ascolta i Pearl Jam. Se invece andiamo sul fronte canzoni pop, be’, non c’è dubbio che la musica aiuti a sognare, ad andare avanti… pensa solo a Renato Zero: quante persone si sono ritrovate nei messaggi delle sue canzoni e ne hanno fatto uno stile di vita? Quanti ragazzi si sono ritrovati (purtroppo) nel messaggio del primo Jovanotti? Che era: “Balla, divertiti e non pensare”. Tutta la generazione degli anni Ottanta. Tutti quelli che hanno sposato la Cretin Music lanciata dall’ottimo Claudio Cecchetto con il Gioca Jouer: Saltare …. Camminare …. Phon…. E tutti a fare la mossa di asciugarsi i capelli… Quello è stato il periodo peggiore. Abbiamo perso un paio di generazioni e siamo regrediti musicalmente. Ma il conto in banca dell’ottimo Cecchetto no. E c’è ancora chi lo apprezza… Per fortuna Jovanotti ha poi dimostrato di avere un mondo bellissimo da raccontare. Per concludere, la musica riesce a cambiare gli animi, le tendenze, l’intelligenza di chi ascolta e ti può stimolare e crescere (vedi tutto il cantautorato degli anni Settanta/Ottanta; il Jazz americano degli anni Trenta/Quaranta…) o ti può rendere un imbecille senza ideali. La musica è sempre espressione, quindi, messaggio da recepire.

Quali sono, infine, i tuoi piani attuali? Potremo riascoltare, prima o poi, il Giampiero Artegiani cantante con un disco di inediti? E hai qualche rimpianto rispetto al tuo percorso di artista, una particolare canzone o progetto che ritieni avrebbe meritato migliore fortuna?

I miei piani attuali? Non ne ho. Scrivo testi per Michele Zarrillo, perché secondo me è una delle più belle voci internazionali e godo quando canta le mie parole, sulle sue musiche. Poi sto scrivendo un libro da tanti anni, ma non è il solito libretto leggero del cantautore che ci prova scrivendo aneddoti e stronzate varie. È una storia d’amore ambientata nel 1600, tra poteri della Chiesa, conflitti Illuministici, e la ricerca interiore del Perché del Tutto. Forse sarà la mia opera ultima perché richiede una cultura ampia, a 360 gradi, che ancora non ho, ma ci sto lavorando. Spero di ritrovare la forza intellettuale di rituffarmi nella mischia musicale, ma la cosa mi fa un po’ paura per i motivi già espressi. Rimpianti? Certo. Alcune cose, riviste e analizzate a distanza di anni, non le rifaresti più. Ma quel che è fatto è fatto e, tutto sommato, non mi sembra di aver fatto poco. Poi, c’è chi nasce con una stella accesa e incontra le persone giuste al momento giusto (conta moltissimo) e fa la cosa giusta. Io avrei potuto fare di più se mi fossi circondato di persone diverse o avessi avuto il coraggio e la spietatezza di mollare senza rimorsi chi non era più utile al mio progetto. Purtroppo la mia natura mi impedisce di abbandonare la nave quando affonda. Le canzoni che avrebbero dovuto avere più fortuna? Tante. Almeno una per ogni album che ho scritto per me e per altri. Le canzoni, in fondo, siamo noi e ognuna di loro ha una vita sua: una nasce bella e sfortunata, un’altra brutta e fortunata… e tu aspetti sempre di scriverne una bella e fortunata. Un paio di volte credo di esserci riuscito, e questo mi basta per dire che, quando ho scommesso su me stesso, non ho sbagliato. Qualcosa di me resterà per sempre. Questo è quello che volevo, e forse me lo sono guadagnato.

Intervista realizzata da Paolo Morati il 9 febbraio 2015, in esclusiva per Indiscreto

Ha un bel suono compatto e vintage il nuovo singolo di Loredana Berté intitolato Ma quale musica leggera. Scritto da Edoardo Bennato e prodotto da Mario Lavezzi, ci riporta all'attenzione un'artista per la quale - a scanso di equivoci - nutriamo da sempre un debole. In uno scenario dove le nuove voci femminili italiane sembrano dover uscire a tutti i costi dai cosiddetti talent show - e per le quali viene riservato il miglior spazio sui media - noi non dimentichiamo la storia che bussa alle nostre orecchie, forte di una discografia comunque notevole.

Ma quale musica leggera racconta un mondo dove non si risparmiano le rose e i fiori sul palco e la guerra grande dietro le quinte. Una storia musicale (di quella personale ne ha più volte parlato lei stessa, matrimonio con Bjorn Borg compreso, e la lasciamo da parte) che relativamente all'artista calabrese è fatta di una gavetta on the road, condotta insieme alla sorella Mia Martini e a Renato Zero, che l'ha poi portata a pubblicare una serie di dischi importanti frutto proprio della collaborazione con Mario Lavezzi (a partire da Normale o super), Ivano Fossati (ricordiamo tra gli altri l'eccellente Traslocando del 1982 e il successivo poderoso tour) ed Enrico Ruggeri (sue alcune canzoni in Savoir Faire e Jazz, oltre al progetto Carioca con le cover di Djavan). Il tutto attraverso un'immagine dove l'aspetto fisico e il look - a cominciare dalla prima copertina originale di Streaking - non hanno però tolto spazio alla qualità della musica come troppo spesso invece accade.

Un repertorio, quello di Loredana Berté, che include canzoni entrate di diritto nella storia come E la luna bussò, Sei bellissima, Dedicato, La goccia, In alto mare, Nina nanna, Il mare d'inverno e naturalmente quella Non sono una signora considerata il suo manifesto. E a contorno altre tracce da riscoprire contenute in album suonati coi sacri crismi e dove era difficile trovare dei riempitivi, spaziando su vari generi, dal reggae al rock al pop. Con firme di primo piano oltre a quelle già citate, quali Oscar Avogadro, Ivan Graziani, Alberto Radius, Ron, Pino Daniele...Senza dimenticare anche la produzione successiva al periodo d'oro che si è comunque mantenuta su buoni livelli con alcuni colpi sopra la media, in veste cantautorale e autobiografica, in grado di lasciare il segno su chi possiede una sana voglia di ascoltare.

Paolo Morati, 11 giugno 2012

Per ragioni anagrafiche abbiamo avuto la fortuna di vivere in pieno il periodo della New Wave italiana che, tra la fine degli anni '70 e l'inizio degli anni '80, ha espresso diversi artisti di livello tra i quali uno dei principali è senz'altro Renato Abate, in arte Garbo. Ne parliamo su Indiscreto perché di recente il nostro ha pubblicato un nuovo album intitolato La moda. Ma partiamo dalle origini di un percorso che ha visto la sua prima parte di carriera affermarsi con singoli - e relativi album - come A Berlino va bene (1981), Vorrei Regnare e Generazione (1982, album Scortati), capaci di generare attenzione grazie a una ambientazione decadente ed elettrica fino alla splendida Radioclima (1984, nella raccolta Fotografie) e a una ritmata versione di Quanti anni hai alla quale partecipò anche Antonella Ruggiero.

Nel 1985 un primo cambio di rotta con un altro ottimo brano, Cose veloci (1985) e successivamente forse il suo maggior successo commerciale, l'album Il fiume (1986). Poi ancora un lavoro con la multinazionale (Manifesti, 1988), qualche concessione leggera (degno di nota il singolo E' tardi), e il definitivo trasloco verso lidi indipendenti, a cominciare da 1.6.2 (1990) e la sparizione dai circuiti promozionali che contano, a parte qualche ospitata di tanto in tanto.

Eppure, pur non bazzicando i palchi mainstream, Garbo ha continuato a sfornare album fino ai giorni nostri, con questa nuova uscita che giunge a quattro anni dalla trilogia dei colori inaugurata dall'eccellente Blu (2002), con nel mezzo il concept Gialloelettrico (2005, con tanto di premio per il video di Ondaelettrica) fino al più 'trasparente' (il vinile a tiratura limitata) e introverso Come il vetro (2008).

Arriviamo quindi a parlare de La moda, un lavoro elegante dove Renato Abate, affiancato dai fidi collaboratori Luca Urbani (ex Soerba) e Alberto Styloo, riporta al centro della sua produzione un suono a tratti poderoso a tratti addolcito su testi taglienti ("è così equo essere di moda"), scanditi da una voce che si fa profonda e pastosa, emozionante, che non risente per nulla degli anni che passano, anzi (un esempio su tutti la martellante e cupa Sexy). Sterili i paragoni con altri artisti, secondo noi Garbo ha da sempre mantenuto una sua personalità capace di contaminarsi (e contaminare/restituire) al meglio senza però trasformarsi in clone altrui. Tante le sensazioni che trasmettono le dieci tracce contenute in La moda, tra le chitarre tirate di Sembra e le aperture di Sparare fino al lungo finale di Architettura MIG.

In definitiva il nuovo disco di Garbo è un insieme ben riuscito di suoni e testi innestato su un personaggio che da oltre trent'anni si conferma con coerenza sopra la media. Un album raffinato e ricercato con una title track che le radio farebbero bene a prendere in considerazione, impreziosita dal sax di Andrea (Andy Fluon) Fumagalli. Bentornato a Garbo, "nell'aria che gira in continuazione".

Paolo Morati, 2 maggio 2012